whispering-asia par Triadfight

The Murderer

2011-07-09T13:04:00.000-07:00

Corée du Sud 2010
Sélection « un certain regard » Cannes 2011

De Na Hong-jin
Avec Ha Jung-woo, Kim Yun-seok

Après The Chaser, son premier film, Na Hong-jin, confirme qu’il est cinéaste sur qui il faudra désormais compter.
Intitulé « The yellow sea » dans sa version originale, ce qui signifie la mer jaune, le film de Na Hong-jin, prend pour cadre, Yanji, ville chinoise de la Préfecture de Yanbian, entravée entre la Corée du Nord et la Russie, où vivent quelques 800 000 Sino-coréens surnommés les «Joseon-Jok.». Baignée par l’océan pacifique et encerclée par les côtes de la Chine, du Japon et de la Corée du Sud, Yanji fait surtout figure de zone frontière, un no man’s land de misère, où presque la moitié de sa population survit dans un quotidien fait d’activités illégales et d’errance fantomatique.

C’est ici que Gu-nam (Ha Jung-woo) traîne son désespoir. Chauffeur de taxi endetté, il est sans nouvelle de son épouse, partie depuis 6 mois en Corée du Sud pour trouver du travail.

Poussé par la détresse, il accepte l’aide d’un parrain local, qui lui propose de passer en Corée, afin d’y retrouver sa femme et d’éponger ses dettes, en contrepartie, Gu-nam devra tuer un homme dont il ne connaît rien. Proche de la misère, Gu-nam accepte le contrat, espérant pouvoir retrouver celle qu’il aime et subvenir aux besoins de sa famille. Mais pour l’apprenti assassin rien ne se passera comme prévu.

La misère est un crime

Au delà du pitch mortellement accrocheur, c’est à la fois un drame humain et un constat social qui se joue sous nos yeux et que subit une bonne partie des laissés pour compte à travers le monde. Avec ici en zoom allégorique : l’exploitation des immigrés chinois dans les pays dit prospères.

Yanji est un chaos géopolitique et les flux migratoires autours des pays satellites conduisent à une exploitation sordide de la détresse des autochtones. L’énergie du désespoir habite complètement le métrage et Na Hong-jin nourrit son propos avec un rythme trépidant, fait de tensions et de sursauts narratifs se faisant constamment échos. Le meurtre programmé dérape, les retrouvailles espérées tournent au cauchemar et inexorablement tous les enjeux se consument dans une violence urbaine qui semble emporter tous les protagonistes dans un délire tragico-absurde fait de coup de haches, de battes et même d’ossements ! Gu-nam malgré ses nombreux sacrifices verra ainsi sa quête dénaturée par la violence et brisée par l’anathème d’un bonheur impossible.

Que nous reste t il sinon l’amer conclusion que l’enfer est bien sur terre. Que même la plus noble des intentions (l’amour) peut-être détournée par la misère.

The Murderer est un film qui marque et qui nous laisse mélancoliquement songeur.

J'ai rencontré le diable

2011-07-09T11:52:00.000-07:00

Corée du Sud 2010
De Kim Jee-woon
Avec Lee Byung_hun, Choi Min-sik, Oh San-ha

« Deux sœurs », « Le bon, la brute et le cinglé », 2 films antinomiques par excellence, pourtant issus du même et brillant esprit. Kim Jee-woon est décidément de ceux que l’on ne parvient pas à rentrer dans une case. Avec sa troisième œuvre, le cinéaste passionné, va frapper fort, bien décidé à marquer nos esprits et nos rétines, quitte à le faire avec une tâche de sang indélébile.

Le film s'ouvre sur une citation de Nietzsche tirée de Par delà le bien et le mal : "Que celui qui lutte avec des monstres veille à ce que cela ne le transforme pas en monstre. Si tu regardes longtemps au fond de l’abîme, l’abîme aussi regarde au fond de toi.”
A partir de là tout est dit. Et avec cynisme, complaisance, humour et tragédie Kim Jee-woon laissera s’enfoncer ses personnages, illustration parfaite de cette terrible réflexion.

Soo-Hyun (Lee Byung-hun) est un agent du gouvernement dont la fiancée vient d’être assassinée. Partit à la recherche de son meurtrier, il découvre que celui-ci (Choi Min-sik) est un psychopathe totalement asocial. Mais alors que sa traque l’amène très vite dans la tanière du tueur, Soon Hyun le relâche. En réalité Soo-Hyun nourrit un autre dessein, harceler le tueur dans son quotidien et lui faire payer chacun de ses actes. Mais sur ce chemin impossible de la rédemption, Soo-Hyun découvrira à ces dépens (et aux dépend de nombreuses victimes) que la mal véritable n’a pas de conscience et que sa croisade vengeresse pourrait bien lui coûter une partie de son humanité.

Dans cette curieuse vendetta, les connaisseurs apprécieront la confrontation entre deux stars emblématiques du cinéma coréen, Lee Byung-hun (A Bittersweet Life) et Choi Min-Sik (Old Boy) troublant de naturel dans ce rôle d’inhumanité.

J’ai rencontré le diable suffit à rappeler le « jusqu’au boutisme » du cinéma coréen, un cinéma qui a des tripes (sans mauvais jeux de mots). D’ailleurs j’attends avec impatience la relève avec The Murderer de Na Hong-jin dont je vous parlerai un peu plus bas.

Canular ou film de vengeance ultime ?

Mais au delà l’efficacité glaciale de ce film, cette déshumanisation sanglante me pose laisse quelque peu circonspect… et il me faudra beaucoup de recul pour saisir les intentions profondes de l’auteur. Que ce soit à travers ses envolées très second degré et sa galerie de seconds rôles décadents (le cannibale), ou bien sa relation exagérément misogyne avec les femmes. S’agit-il d’une mise en abime du genre ? Quoiqu’il en soit j’aurai préféré un peu moins de violence, de manière à frustrer les plus pervers.
Alors excès de complaisance ? De cynisme ? Heureusement la détresse dans le regard de Soon-Hyun lorsqu’il comprend son impuissance et l’inutilité de sa démarche, me rappelle dans la douleur et les larmes que «J’ai rencontré le diable» est un film profondément humain.

Sans doute venons-nous d’assister à l’enterrement ultime et brutal du film de vengeance.

Fist of Dragon

2011-06-14T14:06:00.000-07:00

2010 Malaisie

De Michael Chuah

Avec Michael Chuah, Fiona Xie,

Henry Thia,

A la demande de son Père, le jeune Li (Micheal Chuah) se rend chez son Oncle (Henri Thia) confronté à des difficultés financières. Peu habitué à la culture de cette ville moderne dont la population lui apparaît comme agressive et égoïste, Li envisage de rentrer chez lui, lorsqu’il découvre que les ennuis de son oncle sont surtout dus à la pègre locale et ses gangs qui terrorisent les commerçants de quartier. Li décide de rester et de faire face en espérant créer des émules parmi la population. Entre colère ou résignation les habitants devront choisir, mais l’affaire se corse lorsque Li apprend que la fille de son oncle (Fiona Xie) fait partie d’un de ces gangs. La ville plonge alors dans la tourmente.

Celui là aussi je l’attends avec ferveur. Kung fu moderne et urbain, drôle et rageur. Fist of Dragon est un melting pot de talents en provenance de toute l’Asie du Sud Est. Un véritable western contemporain mettant en scène la rébellion des habitants d’un quartier et surtout un clin d’œil au mythique Bruce Lee qui jadis donnait le change aux mafieux dans la Fureur du dragon. Un des films coup de poing de l’année.

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Shaolin 2011

2011-06-14T13:59:00.001-07:00

2010 Chine

De Benny Chan

Avec Andy Lau, Nicolas Tse,

Jackie Chan, Bingbing Fan

Pendant la période tourmentée des guerres intestines de la Chine des années 20, le général Hou Jie (Andy Lau) est un seigneur de guerre impitoyable et son cruel lieutenant Man Cao (Nicolas Tse) est un élève assidu dans l’art de la fourberie. Si bien qu’au final celui-ci provoquera la déchéance du maître. Aculé, seul et ébranlé, Hou Jie fuit et trouve refuge dans le temple de Shaolin qu’il avait par le passé souillé et saccagé.

Une des attentes de cette année 2011, produit par Andy Lau et réalisé par Benny Chan. Shaolin a tout de l’œuvre rêvée. Au programme : Andy Lau tyrannique et repentit, Nicolas Tse détestable à souhait (donc excellent interprète) , Jackie Chan en mentor cuistot, des artistes martiaux d’exceptions et surtout un message de compassion propre au kung fu du Temple de la Petite Forêt .

Un film solidement interprété et porté par des acteurs sincères, dont l’humanité et la chaleur de notre Jackie réchauffe les couleurs froides d’une très belle photographie.

Un film que l’on ne se lasse pas de revoir.

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Nouveauté cinéma asiatique

2010-10-26T08:28:00.001-07:00

Gallants
Hong Kong 2010

De Derek Kwok et Clement Cheng
Avec Wong You-Nam, Bruce Leung, Chen Kuan-Tai,
Teddy Robin Kwan, Michael Chan, J.J Jia,
Siu Yam-Yam, Lo Meng, Goo Goon-Chung

Alors là le coup de cœur et le coup de fouet de l’année. Gallants est tout ce que j’aime, culte, anti-nostalgique, universel. Il parodie avec finesse et humour le genre du cinéma kung fu de l’ancienne colonie Britannique (Hong Kong). Rendant hommage aux héros de notre enfance tout en tendant la main vers la nouvelle vague et sa jeunesse (MC Jin). D’une lucidité bonne enfant, Gallants garanti un retour aux sources vivifiant. L'émerveillement est toujours là et le transport est total.

Cheung travaille pour une agence immobilière de Hong Kong. Timoré et maladroit, il est la risée de son entourage qui passe son temps à l'humilier. Alors qu’il est envoyé dans un village de l'archipel pour régler une dispute de bail, il fait la connaissance avec deux vieux experts en kung-fu, Dragon et Tiger. Ceux-ci veillent jour et nuit sur leur maître plongé dans le coma depuis 30 ans. Lorsque ce dernier se réveille, il se croit toujours à son époque et prend le jeune Cheung pour un de ses disciples et croit que Dragon et Tiger sont les élèves de Cheung. Le petit groupe avec l'aide de complices mettra tout en œuvre afin de préserver les illusions du vieux Maître, d'autant plus que des promoteurs véreux ont décidé de faire main basse sur l'école du sifu (1).

Gallants représente un trésor national unique et l'on devine à quel point l'histoire est en phase avec les aspirations du film, le retour au cinéma de genre et le désir subtil de créer un pont entre plusieurs générations. L'atmosphère des films d'antan (la 36ème chambre de Shaolin, le justicier de Shanghai) paraît intacte, mais nul ne peut nier les affres du temps. Comme pour le vieux maître Derek Kwok et Clement Cheng nous invite à revivre le passé avec l'humour et le cœur du présent. Les combats sont ingénieux, lisibles et rythmés, l'humour cantonnais est omniprésent (les quiproquos, les entrainements loufoques). Pas de doute, nous sommes bien en présence d'une œuvre qui rend hommage au genre et qui dépasse de loin la rétrospective passéiste. On espère une sortie en France courant 2011.

(1) sifu : maître

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Retro coup de coeur

2010-10-26T04:49:00.001-07:00

Sparrow
Hong Kong 2008
De Johnnie To avec Simon Yam, Kelly Lin

Film de commande classe et efficace, pour les amateurs de petits encas ciné pertinents et bien ficelés. Une nouvelle déclaration d’amour de M. To envers Hong Kong et ses acteurs locaux dont l’inévitable Simon Yam.

Cette fois le réalisateur compose un étrange ballet d’intrigues mettant en scène un gang de pickpocket. Ce qui permet au maître de nous gratifier de superbes duels citadins où les cutters remplacent les flingues où les cibles sont les sacs à mains et les portefeuilles en tout genre.

Le combat des maîtres

Hong Kong 1976 de Liu Chia-Liang avec Gordon Liu, Chen Kuan Tai, Liu Chia-Liang

Mon coup de cœur pour l’enseignement martial parallèle à l’enseignement moral.

Au fur et à mesure que le héros campé par Gordon Liu acquiert en technique, il grandit en vertu.Le combat des maîtres de Liu Chia Liang (authentique sifu de kung fu) rappelle à mes souvenirs ces films de kung fu à vocation humaniste qui ont fait mon éducation et qui manquent trop aujourd’hui.

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A World Without Thieves

2010-10-24T06:26:00.000-07:00

Chine 2004

DeFeng Xiaogang

Avec Andy Lau et Rene Liu

Face à un candide au cœur pur, qu’ils comptaient dépouiller, un couple de voleur au bord de la rupture, se résigne pour diverses motivations à protéger cet homme naïf et sans défenses. Pour l'une (René Liu) c'est l'occasion de se racheter de ses fautes et d'alléger son Karma et pour l’autre (Andy Lau) de reconquérir sa femme.

Dans A world without thieves, Prouesses martiales, se mêlent aux prouesses larcines et aux jeux des masques entre loups. Feng Xiaogang avec l'arrivé d'une bande adverse dépeint une galerie de voleurs hétéroclites et tenaces. Mais tous moralement antinomiques. Et au fil de l’histoire, la soif du butin laisse place à d’autres motivations plus profondes et diverses selon les protagonistes.

Jouant sur plusieurs tableaux, le film fait preuve d'une légèreté de ton particulière et d'une mise en scène habile et sophistiquée. L’art du vol se confond au kung fu, qui en chinois ne désigne pas forcément l’art martial, mais la recherche de l’excellence dans une discipline. D’ailleurs les scènes d’actions filmées tel un ballet ne sont pas sans rappeler les joutes artistiques du Duelistes du Coréen Lee Myung-Se.

Mais cette légèreté de ton, laisse aussi place à d’intenses émotions, un climax sincère et prenant, notamment lorsqu’il aborde les aspérités plus graves de son sujet. Bien qu'à 80 % confiné dans un train, le récit ménage des rebondissements haletants, harmonieux et sans failles. Le train est un espace expressif très riche, un microcosme de personnages variés, un terrain de jeu pour une exploitation de péripéties inventives, qui maintient en éveil constant l'empathie et l'attention du spectateur.

De plus il faut aussi souligner l’étonnante tolérance de la Chine que de laisser le réalisateur mettre en scène les tribulations de ce couple de voleurs. Feng Xiaogang parvient à rapprocher le continent chinois et Hong Kong à travers le ton, l’audace et le mélange des acteurs (Andy Lau pour Hong Kong, Rene Liu pour la Chine). Voilà qui fait de Feng Xiaogang un réalisateur à ne pas perdre de vu.

D’ailleurs son dernier film Héros de guerre est une ode toute en nuance sur la représentation de la guerre fratricide qui divisa la Chine après le conflit sino-japonais. et au delà du devoir de mémoire, le film de Feng Xiaogang, fait preuve d'une sincérité poignante et surtout d'une absence de nationalisme malsain qu'il est important de souligner. Une ode guerrière pour la paix en somme.

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15 de Royston TAN

2010-10-24T06:19:00.000-07:00

Singapour 2003
De Royston Tan
Avec Melvin Chen, Erick Chun,
Melvin Lee, Vynn Soh,
Shaun Tan

La Société a la progéniture qu’elle mérite

Pour son premier essai, Royston Tan frappe fort, prenant pour toile de fond, la dérive d’adolescents marginalisés dans un Singapour qu’ils arpentent au gré de leurs déliquescence. C’est tant par le cadre (Singapour) que par son traitement pour le moins expérimental, que Royston Tan réalise une œuvre percutante et hypnotique. Un film trip, prenant des allures de docu fiction sous acides, dangereux pour certains, culte pour les autres.

Cinq adolescents âgés d’une quinzaine d’années vivent seuls à Singapour. Ils ont quitté la cellule familiale et abandonné l’école. Sans aucun repère social, à part celui d’appartenir à un groupe uni par l‘amitié, ils passent leur temps à tenter de nouvelles expériences, souvent douloureuses. Désœuvrés, seuls, entre lassitude et quête d’identité, ils errent dans cette ville aseptisée, qui les ignore et les marginalise.

Dans cet univers, les adultes sont relégués au second plan, hors-champ, leur autorité n'existe pas. C’est un monde livré à l'absurde, où la vie est vécue comme un jeu. Epousant leur point de vue, Royston Tan adopte une mise en scène légère et fantasmée, drôle et décalée : tranche de vie en karaoké, bagarre de rue sous le prisme du jeu vidéo…
Un monde sur le fil (fil de l’amitié entre autre…) où la frontière entre réalité et interprétation est ténue. Un fil qu’ils veillent à ne jamais voir se rompre.

Royston Tan, traite la violence avec la légèreté de l’inconscience, celle d’une jeunesse abandonnée et beaucoup plus livrée (adolescence oblige) à ses sens qu’à sa conscience.
Le traitement de cette fable sociale par ailleurs fondue sur leur perception fantasmatique du quotidien, travestit dès lors la réalité à travers des thèmes pourtant universels (amour, suicide, violence, solitude), les rendant presque supportables.

Le côté amateur du jeu et la mise en scène métaphorique brillante alternant délire visuels et naturalisme documentaire font de 15 un cocktail détonnant. Car se sont bien de vrais ados des rues qui jouent ici leur propre rôle et Royston Tan, est devenu malgré lui un bad boy de la scène cinématographique locale. Ayant poussé les limites de la censure singapourienne, le film a en effet été interdit par les autorités car considéré comme dangereux pour la nation.

La responsabilité de ceux qui donnent la vie

Bien que grands absents du métrage, le film ne s’adresse pas moins aux adultes. C’est pourtant simple : une jeunesse sans parents pour les aimer, les élever ou les comprendre est une jeunesse sans avenir. Dès lors de ces ados qui vivent au gré du vent, ne subsiste que des résidus de conscience et d’apprentissage, mis en relief par la douleur et les mutilations. Bien que ces mutilations aient aussi une vocation tribale, c’est à dire d’appartenance. Si les images peuvent paraître furtives, décalées et chaotiques, c’est pare que leur vie est ainsi. Syncopée comme leur cœur, contemplative (les panoramiques) comme leurs pensées.

Amoralité attachante

L'école buissonnière, la drogue, les gangs, les tatous et les piercing… en surface ces garçons forment un tableau plutôt sombre, fait d’ennui, de contestation (Singapour est connue pour être extrêmement répressive) et de nihilisme. De même que leur distance ironique et iconique au monde, les présente tel des mechas dépourvus d’émotion qui ne peuvent être vaincu, ni même touché. Pourtant Royston Tan reste très attentif quant à leur intimité et leur besoin sous-jacent d’être proche de quelqu'un, que ce soit dans un jeu d'insultes à tir rapide, ou lors d’une étreinte en fin de soirée, à l’abris du regard des autres. Hermaphrodites en perpétuelle recherche, ces enfants peuvent aussi montrer certains des meilleurs traits de la nature humaine.
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Bodyguards and Assassins

2010-05-17T11:17:00.000-07:00

Bodyguards and assassins
Chine / Hong Kong 2010

De Teddy Chen
Avec Donnie Yen, Nicolas Tse,
Leon Lai, Tony Leung Ka Fai,
Simon Yam, Zhou Yun,
Eric Tsang, Hu Jun, Fan Bing Bing,
Wang Xue Qi

Les productions luxurieuses sous égide chinoise peuvent parfois nous laisser présager du meilleur (Fearless, Ip Man), comme du pire (Wu Ji). Heureusement Bodyguards and assassins enterre toutes nos craintes et Teddy Chen nous livre un film ambitieux et fou, mélangeant Histoire et fantaisie wu xia.

1906, la dynastie Qing est sur le déclin et les idées de la Chine républicaine moderne sont en chemin, Sun Yat-sen, charismatique leader nationaliste en exil au Japon, doit se rendre à Hong Kong, afin de rencontrer les chefs révolutionnaires de différentes provinces. La cour impériale saisit l’occasion pour envoyer une kyrielle d’assassin tandis que de l’autre côté on s’organise, afin d’assurer la protection du futur « père de la Patrie ». Ce qui promet un séjour d’une tension absolue dans l’ancienne colonie britannique car en chaque habitant peut se cacher un assassin potentiel.

Teddy Chen dans sa première partie, prend son temps et soigne une intrigue reposant sur la paranoïa, les leurres et les trahisons. Même si la véracité historique est mise de côté, la reconstruction mirifique et soignée de cette Chine au début 20ème siècle nous laisse pantois.

Production chinoise oblige, l’énorme sentiment nationaliste pèse quelque peu sur le film, qui flirte parfois avec les fictions propagandistes de Chine populaire. Mais ce qui semblent normal chez certains (Independance Day, Patriots, 2012…), devient subitement choquant quand il s’agit des chinois. Alors passons au delà pour profiter de cette mise en place chaotique de l’histoire, s’apparentant à un jeu d’échec sanglant dans lequel chacun doit déjouer les projets d’assassinats et les embuscades les plus folles.

C’est d’ailleurs dans la seconde partie, que cette tension narrative explose, dans un spectacle hallucinant, à renfort de joutes martiales, de pièges extravagants et même d’enfants assassins. Voilà un programme bien réjouissant qui ne manquera de nous laisser sur les rotules.

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滅門 (原裝預告) Bad Blood (Originial Trailer)

2010-05-10T10:22:00.000-07:00

Bad Blood

Chine / Hong Kong 2010

De Dennis Law

Avec Andy On, Bernice Liu,

Eddie Cheung, Simon Yam, Lam Suet,

Hung Yan Yan, Jiang Luxia

Avec son enchaînement d’incohérences scénaristiques et de ficelles volontaires, Bad Blood incarne délibérément un cinéma tout entier voué à l’éclatement des mirettes. Bien que l’intrigue évolue de manière décousue et absurde, Dennis Law accouche d’une pellicule péchue et tout simplement jouissive. Même le plus cérébral d’entre nous, ne pourra dissimuler un sourire béat devant cet étalage de candeur gratuite et généreuse.

Lors d’une course poursuite qui tourne mal, Lok (Eddie Cheung), un chef mafieux, est rattrapé par les autorités chinoises et condamné à mort. Son exécution, laisse son clan sans leader et surtout un héritage conséquent convoité par les enfants légitimes et illégitimes de celui-ci.

Au grand damne de certains, la fortune de Lok sera partagée entre ses deux enfants naturels, Audrey (Bernice Liu) et son frère Jason (Lai Lok-yi) laissant sur le carreau les espoirs et les ambitions du reste de son entourage.

Parmi ces déshérités, il y a, Funky (Simon Yam) le fils adoptif qui assurera provisoirement la direction des affaires. Calf (Andy On), le taciturne, né d’une liaison extra-conjugale entre Lok et une prostituée. Considéré comme un enfant bâtard, Calf reste en retrait et prend sous son aile, Dumby (Jiang Luxia) orpheline muette devenue experte en kung-fu. Mais très vite les rivalités secrètes de cette famille décousue, débouchent sur une succession de morts violentes. Et ceux que l’on pensait être issus du « mauvais sang » ne sont peut-être pas les instigateurs de ce jeux de massacre fraternels.

Vous l’aurez comprit, le titre « Bad Blood » fait donc référence aux notions de filiation et aux luttes de pouvoir au sein d’une famille mafieuse. Mais par delà les poncifs inhérents aux films de triades et les pirouettes narratives, Bad Blood marque les rétines par un rythme incroyable. Plus que jamais Hong Kong démontre son savoir faire en matière de chorégraphies, les affrontements et les rebondissements s’enchaînent sans temps mort, dynamiques et lisibles.

Une caméra parfaite, intuitive et judicieuse nous permet de ressentir la violence des impacts à travers le talent de combattants hors pairs (notamment Hung Yan Yan ici acteur et chorégraphe). Plaisir coupable, pour sûr, d’autant que le jeu, sciemment poseur, des acteurs colle parfaitement avec l’esprit généreux de ce genre de métrage.

Depuis SPL, le film d’action Hongkongais tente de renouveler avec plus ou moins de succès le fragile équilibre entre drame et action. Bad Blood dont l’énergie se conjugue à la noirceur du propos (cf. la conclusion du film) arrive parfois en s’en approcher, grâce à une immersion sensitive et dramatique dans l’action. Sombre et peu être trop prétentieux, Bad Blood assume cependant ses ambitions pour les fans que nous sommes.

Dans la même veine, je ne saurais que trop vous conseiller certains métrages phares de ce renouveau, parmi eux quand même quelques tentatives maladroites, mais le plaisir reste là…

Attention ceci n’est pas une liste exhaustive !

Flashpoint

Invisible target

SPL

Fist of Dragon

Once a gangster

Bande annonce du film,. Vous trouverez le making of ici

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Korean Movie Breathless, 2008 Trailer

2010-04-28T13:39:00.000-07:00

Breathless (Ddongpari) de Yang Ik-june

Corée du Sud (2008)

Avec Kim Kkobbi, Yang Ik-june

Lee-Hwan, Park jun-soon

A plus d’un titre Breathless, premier long métrage de l’acteur réalisateur Yang Ik-june est un film sec, âpre et bouleversant. Sans esthétisme, ni complaisance, Yang Ik-june, frappe là où ça fait mal .Nous faisant passer des larmes, à la révolte. Dans Breathless, la violence semble avoir touché l’ensemble d’une communauté où tout acte d’amour paraîtrait vain et douloureux.

Pourtant dans cette dramaturgie implacable, Yang Ik-june parsème son film de moments cocasses et salvateurs, poétiques et rêveurs. Un crachat, une claque, un coup de poing…. Les ingrédients improbables d’une amitié inattendue, d’un amour silencieux et salutaire…

Autisme de la violence...

Sang-hoon est une petite frappe, hyper-violent et incapable de maîtriser ses émotions, il tape sur tout ce qui bouge. Naturellement il a fait de sa violence intrasèque son gagne pain, en travaillant dans une affaire de recouvrement de dettes et autres boulots ingrats pour voyous.

Un jour, il croise sur son chemin une lycéenne et lui crache dessus par inadvertance. La jeune fille au caractère bien trempé réplique et demande réparation. Cette effrontée qui a tenu tête au voyou, se prénomme Yeon-hee.

De cette rencontre explosive, va naître une complicité inattendue, doublée de confessions silencieuses entre ces deux êtres brisés, qui partagent sans le savoir, un fardeau propre à la destruction de leur foyer respectif.

Sang-hoon a vu son père battre sa mère (qui viendra à mourir) et tuer sa petite sœur dans l’ivresse de sa brutalité. Inconsolable et culpabilisant de ne pas avoir su les protéger, il se réfugie dans une haine exutoire à l’encontre de tous ceux qui croisent son chemin. De sa famille, il ne reste plus grand monde, hormis son neveu et sa demi sœur, qu’il tente d’aimer et d’aider à sa façon, avec maladresse et rudesse. Son père qui vient juste de sortir de prison est maintenant un vieillard brisé par le poids des années, mais lorsque Sang-hoon le voit, il ne peut réfréner sa colère et à son tour le roue de coups.

Yeon-hee, elle-même, subit les pressions d’un climat familial désastreux, elle aussi a perdu sa mère dans des circonstances tragiques, battue à mort par une bande de voyous. Son père ancien blessé de guerre a perdu la raison et lui même ne se priverait pas de lever la main sur sa fille si l’impotence ne le clouait pas au sol. Quant à son jeune frère, éternellement fauché, il se prend pour un caïd et l’extorque constamment de ses économies.

Eloge de la pudeur.

Sang-hoon et Yeon-hee, bien que différents, se ressemblent, mais chacun gère sa souffrance à sa façon. Par ailleurs aucun d’entre eux ne viendra explicitement dévoiler son histoire, se qui ne les empêchera pas sans mots dire de s’abandonner l’un à l’autre dans des larmes purificatrices. Magie de l’amour rendue possible par une souffrance commune et des non-dit pudiques.

Famille : foyer de la violence sociale

Il y a là un rapport frontal avec la violence et l’antipathie, notamment pour les figures masculines. Car nul doute que cette violence qui règne à l’intérieur des foyers est la conséquence culturelle de la suprématie masculine. Les pères battent les mères, les frères martyrisent les sœurs et à leur tour les fils se vengent des pères.

La famille devient alors l’incarnation de toute la déliquescence d’une société qui ne laisse guère d’espoir aux petites gens. Sous l’œil de Yang Ik-june cette détresse familiale devient un constat presque universel.

Comme magnétisée par l’instant, la mise en scène de Yang Ik-june suit à la trace les pas de ses héros. Le style est proche du documentaire, filmé en gros plan, caméra à l’épaule, témoignage d’intimité et de détresse pour mieux nous prendre par les tripes.

Parfois omnisciente, parfois discrète, la caméra opère des séquences éthérées comme lorsque Sang-hoon et Yeon-hee se perdent dans des escapades rêveuses parmi la foule. filmés au milieu d’anonymes bien réels, les acteurs que l’on devine, peuvent aussi bien rentrer comme sortir du champs de la caméra. A leur tour, l’espace d’un instant, ils sont libres et anonymes. Ainsi se traduit à l’image la fugacité des moments de répit.

Par cette pudeur et cet amour naissant, tout comme par sa mise en scène, Yang Ik-june démontre que l’immuabilité de la violence peut-être remise en question. Sang-hoon aurait pu rester un handicapé de l’amour, mais sa relation avec Yeon-hee a fait germer en lui la volonté de se débarrasser de cette colère afin d’éviter de la transmettre aux générations futures. C’est là l’héroïsme de Sang-hoon, l'extériorisation du mal qui le ronge. Au final son « châtiment retour » redonnera à Yeon-hee et à ses proches l’opportunité de recomposer la famille dont ils avaient rêvés. Comme quoi la vie est injuste, mais que de grands malheurs peuvent parfois aboutir à un certain bonheur.

Le site officiel

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Crows Zero (I-II)

2009-12-06T17:43:00.001-08:00

En se réappropriant l’univers culte du mangaka Horishi Takahashi ( Crows ), le réalisateur déjanté Takashi Miike ne livre pas une adaptation, mais plutôt une ré-interprétation sous forme de préquelle, du célèbre manga.

Avec une énergie furieuse, le diptyque de l’homme « aux mille films » relance sur la scène cinématographique la vague des bad boys from Asia et des bastons lycéennes iconoclastes cher à l’univers des mangas.

Crows Zero

(Japon 2007)

De Takashi Miike

Avec Shun Oguri, Kyôsuke Abe,

Takayuki Yamada,

Suzunosuke, Shunsuke Daitô,

Goro Kishitani, Kenichi Endo

Tout commence avec l’arrivée Genji Takaya à Suzuran , le lycée le plus dur et le plus violent du Japon. Dans cette fabrique de voyous, la réputation et l’avenir d’un élève se gagne par la force de ses poings, plutôt que par ses résultats scolaires. Sûre de lui Genji est bien décidé à accomplir ce qu’aucun élève n’a jamais réussi, devenir le numéro 1 de Suzuran.

Mais pour parfaire son ascension, Genji devra rallier les différents chefs de classe et faire ses preuves face à un public que plus rien n’impressionne.

Fort d’une armée assez puissante et d’une réputation affirmée, il pourra être en mesure d’affronter l’actuel monstre de l’école, Serizawa , qui est à deux doigts d’arriver au sommet.

A la suite d’un quiproquo ayant finit en bagarre, Genji va s’allier à Ken, sous fifre d’un gang de Yakusas , lui même ancien élève de Suzuran. Dès lors Ken voit en Genji la possibilité d’accomplir ce qu’il n’a jamais pu faire durant sa jeunesse, conquérir Suzuran et être respecté. Mais avec cet élan de liberté par procuration Ken commence peu à peu à s’affranchir des règles de sa famille mafieuse.

Ensembles ils attaquent les classes de terminale, tandis que Serizawa , tout d’abord observateur et philosophe, se voit contraint de défendre son autorité remise en question.

Loin d’être futiles, les conflits de Crows Zéro , dans cette opposition de personnalités, tendent surtout vers un seul but, l’émancipation.

Genji veut s’affranchir de l’autorité de son père lui aussi Yakusa , Ken retrouver les rêves de sa jeunesse gâchée dans l’ombre des autres et Serizawa, issu d’un milieu modeste, ramener sur un pied d’égalité les riches et les pauvres (en atteste son amitié avec Yu fils d’une famille aisée, ayant rejoint le gang).

Dans cette quête du pouvoir, il est question d’honneur, plutôt que de force. L’allégeance ne se gagne pas qu’avec ses poings, mais avec le charisme et le ralliement à des valeurs communes. Makise un des chefs de classe ne se soumet pas même vaincu, pour cela ses hommes le suive et le respecte. La victoire tient aussi dans la considération que l’on se fait de son adversaire.

Dans la peinture de ce microcosme lycéen improbable, tout entier voué à la castagne, Miike injecte plus que jamais son style et ses revendications libertaires. Ce qui pourrait paraître naïf au premier abord, est amené avec tellement d’énergie et de rage, que nous adopterons avec allégresse cette esthétique et ce discours exagérément rebelle. Le réalisateur n’est pas dupe, il adopte les codes du manga. Crows est un égarement de liberté et pour l’apprécier à sa juste valeur nous devons nous aussi nous affranchir de nos hésitations sociales.

Quant aux adultes me direz vous, plus que les faire valoir d’un film consacré à la jeunesse, ils restent les référents extrêmes, la mise en abyme du devenir des jeunes de Suzuran. Leur présence rappelle que cette soif de vivre est éphémère et que le passé ne se rattrape jamais. Le cri de liberté scandé par ce yakuza sonne alors comme un aveu dans les dernières minutes du film.

A la fois pathétiques, attachants et ridicules, flic et yakusa incarnent la responsabilité du monde adulte, mais aussi des choix extrêmes qu’ils se sont imposés, limitant d’ors et déjà les horizons de leur destin.

Attention Spoiler !

Alors profite et vit, car il vaut mieux s’accomplir maintenant que de rester spectateur de ses rêves à jamais.

A ce titre l’affrontement final devient une ode à la vie, ainsi qu’une mise au point avec soi même. Serisawa que l’on devine plus mature quant aux enjeux de Suzuran , passera le relais, heureux d’avoir trouver un adversaire à sa taille, mais surtout heureux de se sentir vivre sous cette pluie battante, pendant que son ami Yu lutte pour sa vie sur une table d’opération.

Serisawa abandonnera sa couronne de sang, conscient du prix de la vie et de son devenir, Genji a accomplit son destin, viendra le temps pour lui d’apprendre à le gérer.

Après Suzuran , après s’être bien battus, il sera temps pour nos héros de grandir, car la stagnation ou le dénie nous pousse irrémédiablement vers la fin.

Tout naturellement, Miike embraye sur l’opus 2, où chacun des protagonistes fera connaissance avec le doute et la mort (les armes blanches font leur apparition). Dès lors tous verront leurs certitudes être sérieusement ébranlées. La maturité ou la mort…

Suivant ce postula, Takeshi Miike nous dévoile une suite aussi dantesque que l’original. Mais la place des enjeux humains, la responsabilité et les conséquences des actes de chacun sont d’autant plus importants que les combats apparaissent plus rudes et plus violents.

Crows Zero II

(Japon 2009)

De Takashi Miike

Avec Shun Oguri, Kyôsuke Yabe, Meisa Kuroki, Nobuaki Kaneko, Haruma Miura, Sosuke Takaoka, Takayuki Yamada, Ryohei Abe, Shinnosuke Abe, Gou Ayano, Shunsuke Daitô, Kaname Endô, Ken’ichi Endô, Gorô Kishitani, Suzunosuke

Bien qu’ayant triomphé de Serisawa, Genji n’est pas encore le numéro 1 de Suzuran , il lui reste à vaincre le légendaire Rinda Man qui n’a que faire de ces guerres intestines. Enclavé dans son obsession, Genji délaisse les affaires du lycée et le devenir de ses troupes. Suzuran est à la dérive, tout n'est plus que désolation, chacun étant dans l’attente de cette unification promise de toutes les forces en présence. Le fragile équilibre est en train de se rompre et Suzuran paraît sombrer dans l'immobilisme. D'un œil fataliste Serisawa figé dans le même attentisme, observe ce qui s'apparente à la chute d'un Empire.

Chute précipitée par le retour de Kawanishi , ancien élève de Suzuran , fraîchement sorti de prison pour le meurtre de l'ancien chef du lycée Hosen, le concurrent direct de Suzuran en matière de castagne. Informé de sa libération les élèves de Hosen se lance à sa poursuite, Kawanishi se réfugie alors dans son ancien lycée. Genji loin de temporiser le conflit, décide de faire démonstration de son autorité en corrigeant l'un des lieutenants du lycée adverse. Ce geste impulsif et insolent va mettre fin à deux ans de trêve. Hosen menée par le charismatique Narumi Taiga déclare la guerre à Suzuran.

La confrontation de caractères bien trempés et de conceptions antinomiques donne à Crows Zéro II une dimension plus dramatique. Ainsi le comportement de Narumi , sorte de loubard dandy, attaché aux valeurs fraternelles et aux respect de la vie, met en exergue le comportement impulsif et violent de Genji responsable de l'éclatement de l'entité de Suzuran.

Conscient que pour ses personnages rien ne sera plus comme avant, Miike replonge de manière intrinsèque dans le passé de chacun, notamment le crime de Kawanishi et les échanges de coups mortels entre Suzuran et Hosen.

Dans cette fresque lycéenne, les rixes bien que moins nombreuses que dans le précédent, sont cette fois plus brutales et sanglantes. Face à des conséquences par le passé, tragiques, l’hésitation finit par l’emporter sur l’impulsion.

L'affrontement final, rituel inévitable, est non seulement un moment jouissif et virtuose pour les spectateurs que nous sommes (on ne voit pas moins qu'une centaine de figurants se foutre sur la gueule), mais surtout un ultime enseignement de la vie, sur la notion de communauté. L'égocentrique et solitaire Genji soutenus par les élèves de Suzuran tirera sa force du groupe et passera du statut de despote à celui de leader. Ensembles ils apprendront à encaisser et partager les blessures actuelles et à venir. De cette bataille sanglante, tous en sortirons grandis et pourront de nouveau avancer, laissant le passé et les rancœurs derrière eux.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Ong Bak 2 (2009) Official Trailer [HQ]

2009-07-22T21:09:00.001-07:00

Ong Bak 2

2009-07-22T21:04:00.003-07:00

ong bak 2

2009-07-22T21:04:00.001-07:00

Ong Bak 2

2009-07-22T04:32:00.000-07:00

Ong Bak 2
2008
Thaïlande

Un film de Tony Jaa
Avec Tony Jaa, Sorapong Chatree,
Sarunyu Wongkrachang, Nirut Sirichanya,
Santisuk Promsiri

Une fois de plus l’épuration artistique des distributeurs français nous fait la démonstration éloquente de son conformisme et de son manque d’ouverture ! Parmi les perles venues d’Asie, qui ne trouveront peut-être jamais le chemin des salles françaises, c’est au tour de Ong Back 2 de faire les frais de cette diaspora artistique dont les critères de sélection restent difficilement compréhensibles.

Sortie depuis 2008 dans le monde entier, Ong Bak 2 est donc déjà disponible en DVD et bien entendu en téléchargement sur le net. Ce qui compromet grandement la garantie de son succès sur nos écrans. Mais n’était-ce pas un peu voulu tout ça ?

Après le succès international du premier Ong Bak, Tony Jaa rempile cette fois en tant qu’acteur et réalisateur. Le jeune prodige prend ainsi les commandes de l'un des films les plus chers de l'histoire de la Thaïlande et nous offre une œuvre, certes, perfectible, mais bien plus sombre et épique que le premier opus dont elle n’a en commun que le nom.
Prenant pour toile de fond l’histoire de son pays. Tony Jaa plante l’action au cœur d’une jungle un peu anachronique de la Thaïlande du 15ème siècle. De part son cadre et son époque, Ong Bak 2 n’est donc pas une séquelle, mais un récit martial initiatique, barbare et merveilleux qui n’a plus rien à voir avec son prédécesseur, si ce n’est l’intensité et la folie de ses combats.

Tian est un jeune garçon rêvant de devenir comme son père, un guerrier fier et valeureux. Mais en ces temps troublés, le seigneur de guerre Lord Rajasena ravage la Thaïlande à la tête de sa puissante armée et le village de Tian n'est pas épargné, laissant l'enfant comme unique survivant du massacre.
Fait prisonnier par des marchands d'esclaves l'obligeant à affronter des crocodiles, ses talents naturels pour le combat amènent cependant Tian à être remarqué par Chernang, chef d'une bande de criminels, qui va le prendre sous son aile et l'élever comme son propre fils. C'est à dire dans le respect et la pratique des arts martiaux, sous toutes leurs formes. Un enseignement moral destiné à faire de Tian un guerrier accompli et l’héritier de son père spirituel. Tian est désigné comme le successeur au poste de chef de "l'Aile de Garuda", le groupe de bandits au sein duquel il a grandi. Mais avant de pouvoir accepter cet honneur, le jeune homme doit d'abord laver le sien et retrouver par conséquent l'assassin de ses véritables parents, même si pour cela il devra affronter les redoutables tueurs de Lord Rajasena.

De la vision d’Ong bak2, on retiendra surtout que le film de Tony Jaa a certainement souffert de ses ambitions. Sacrifié sur l’autel du montage, souffrant de sa générosité, Ong Bak 2 nous fait parfois ressentir ses limites (l’intrigue et le final complexes gagnent a être prolongés). Mais Tony Jaa parfaitement conscient de ses restrictions imposées par l’action, est allé à l'essentiel, laissant l’allégorie et l’interprétation prendre le pas sur le récit.
L’œuvre devient sous cet angle un véritable conte initiatique qui nous fait découvrir la beauté et la pureté des styles anciens. (Le Kung Fu du Sud et ses positions bases, le Chi et sa puissance, le Penkat Silack, le Kendo, le Muy Thaï of course et la boxe de l’homme ivre…).

« Héroïque fantasy thaï », le film impose un univers esthétique avec des décors naturels somptueux. Philosophie des arts martiaux, apprentissage de la forme et de l’esprit. Ong Bak 2 est un voyage dans monde merveilleux, violent et onirique, gorgé d’épreuves et d’imaginaire.

Le film nous promet dès lors plusieurs niveaux de lecture, mais encore faut-il en posséder les clefs pour pouvoir en saisir les subtilités et les messages. Malheureusement une partie du public occidental non initié, risque d’occulter cette dimension au profit de l’action.

Et de l’action il y en a, Ong Bak 2 sonne comme une hymne à la beauté des arts martiaux, mais c'est surtout dans la dernière demi-heure que Tony Jaa se lâche. On se croirait alors dans une espèce de jeu vidéo, où le héros enchaîne les adversaires, les armes et les paliers, jusqu’au boss de fin. Ludique, mais parfois un peu long…

Dans ces affrontements quasi-ininterrompus, Tian ira jusqu’a combattre ses doubles (dans les styles martiaux), jusqu’au final où en refusant le happy end de rigueur, Tony Jaa nous impose sa vision radicale, fataliste et pessimiste. Mais cette conclusion déstabilisante est sans doute la meilleure, puisqu’elle reprend les enseignements du karma et honore les paroles de son maître : Le meurtre et la compassion. (1)

Ong Bak 2 est donc la promesse partielle d’un film martial et épique, aux résonances karmiques improbables et impitoyables. En attendant un prophétique director-s cut en dvd, courez le voir au cinéma.

(1) Attention spoiler :

En élevant malgré lui son assassin Chernang fera preuve de rédemption.. Mais Tian se maudit et se perd dans sa soif de vengeance, il versera sans le savoir le sang de son clan d’adoption. D’où ce retour au village des pirates étrangement désert… . En affrontant ses doubles, tous masqués, Tian affrontait en réalité ses pères.
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13 JEUX DE MORT

2009-06-30T13:54:00.001-07:00

13 BELOVED
13 JEUX DE MORT

2006 Thaïlande
Un film de Chookiat Sakweerakul
Avec Krissada Terrence, Achita Wuthinounsurasit,
Sarunyu Wongkrachang, Nattapong Arunnate,
Alexander Rendel, Penpak Sirikul

La quête du bonheur est un marathon désespéré et sans fin, car elle se limite à la recherche du plaisir, de la possession et de la reconnaissance. Cette chimère aliénante peut alors pousser les acteurs de la vie vers la folie et l’individualisme le plus amoral.

Thriller et fable philosophique, 13 Beloved de Chookiat Sakweerakul, nous dépeint les coulisses d’une société moderne, toute culture confondue, pervertie par le pouvoir de l’image et l’appât du gain. Le film fait ainsi la démonstration par son jeu absurde et son engrenage atrocement fascinant, de l'absence de morale qui sommeil en chacun de nous. Dès lors, même le plus tranquille des hommes, pour peu qu’il soit exclu du système, peut être amené à commettre l’impensable.

C’est dans cette spirale de rejet et de frustration que nous découvrons, Puchit, fraîchement licencié, expulsé et saisi de sa voiture achetée à crédit. Ses économies évaporées, sa fiancée l’a quitté. Au bout du rouleau et tentant, malgré cette enchaînement de catastrophe, de sauver les apparences (sa famille compte sur lui pour subvenir à ses besoins), Puchit reçoit sur son portable un appel mystérieux. Son interlocuteur lui promet une récompense de 100 millions de bath (environ 2 millions d'euros) si il accepte de participer à un jeu comportant 13 épreuves. La première d'entre elles consiste à tuer la mouche posée à côté de lui ! Dubitatif, Puchit s’exécute, l’instant d’après son compte en banque est crédité de plusieurs milliers de bath !

Puchit réalise que ce jeu est donc tout sauf un canular, mais surtout que ses généreux donateurs connaissent tout de sa vie et épient ses moindres mouvements. Crédule Puchit finit par sauter le pas, d’autant que ce jeu ne semble pas si nocif que ça (du moins au début). La règle est simple, chaque pallier réussi lui rapportera de l’argent jusqu’à la cagnotte finale. Seulement en cas d’échec ou d'abandon, tous ses gains seront perdus.

Les épreuves se succèdent, mais deviennent de plus en plus extrêmes et illégales, cependant poussé par le besoin de renflouer son compte et d’aider sa famille, Puchit s'exécute avec l'énergie du désespoir et s’enfonce un peu plus dans un engrenage déshumanisant.

L'un des plus jeunes réalisateurs du pays, Chookiat Sakweerakul (25 ans), apporte un caractère universel à cette histoire (tirée d’une BD de Eakasit Thairatana), loin de vouloir donner des leçons, ce long-métrage thaïlandais, évoque et se ré approprie tout à la fois The Game et Saw, avec un surréalisme éclatant.

Véritable jouet de ses bienfaiteurs Puchit perd en humanité et discernement, au fur à mesure de sa progression. L’accumulation des catastrophes qui en découlent feront de lui un hors la loi, un être marginalisé, prompt à satisfaire les sensations d'un public voyeur.

Le postulat imaginé par Chookiat Sakweerakul est terrible et efficace car 13 Beloved est un film participatif. En effet dans cette mise en scène, à la fois décalée et immersive où le cynisme se met à côtoyer le glauque, le spectateur est amenée à anticiper avec angoisse les détails et les répercussions de chaque épreuve. Les intrigues parallèles collent parfaitement au récit (l’enquête de Police et les investigations de sa collègue) et donnent une dynamique supplémentaire au déroulement de l’action.

Démonstratif, Chookiat Sakweerakul cultive l’insensibilité et l’indifférence. Il faut voir le portrait de cette famille, dont le grand père est en train d’agoniser au fond d'un puits et vous mesurerez avec justesse l’égoïsme de notre société moderne. Du rire et de l’absurde on passe alors à la gêne et au malaise.

13 Beloved nous implique tous, spectateurs passifs et divertis, dans une spirale obscène et idéologique. L’ironie laisse peu à peu place à un malaise implacable et le sadisme atteint lui aussi son paroxysme Ce petit bijou machiavélique, doublé de sa critique acerbe, nous ferait presque regretter d’avoir été les témoins de tout ceci. Mais bien au delà de la leçon, s’est aussi un immense plaisir cinéphile dont on se souviendra longtemps.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Gran Torino

2009-04-26T09:30:00.001-07:00

GRAN TORINO
de Clint Eastwood
USA 2009
Avec Clint Eastwood, Bee Vang, Cory Hardrict, Geraldine Hughes, Brian Haley, Dreama Walker, Brian Howe, Doua Moua, Sarah Neubauer, Nana Gbewonyo, Christopher Carley, John Anton, Austin Douglas Smith

Anecdote

Pendant la projection d’un film, j’aime observer les réactions du public. Je scrute dans l’ombre de la salle, les visages, à la recherche d’un sourire, d’une larme ou de l’ennui… C’est là la magie du cinéma, partager une émotion, sans même se connaître. Ce soir là, le démiurge n’était autre que Clint Eastwood. Avec son style humble, direct et essentiel, Clint vient de fédérer plusieurs générations. De nos parents, au jeune public venu chercher sa dose d’adrénaline, tous en sont sortis comblés, émus, comme touchés par la grâce du Septième Art et de l’un de ses plus grand héros. Ce soir là toute la salle a pleuré. Quelle communion !

Tension et humour

Walt Kowalski est l’archétype du voisin acariâtre. Raciste, raccroché à ses souvenirs et aux fantômes de la guerre de Corée, il grommelle dans sa solitude, des griefs contre tous. Son quartier, ses voisins et même sa famille.

Veuf depuis peu, Walt s’enfonce dans son aigreur et attend la mort, avec ses bières, sa chienne Daisy, son fusil M-1et sa Gran Torino, son bien le plus précieux, qu’il a lui même monté lorsqu’il travaillait pour les usines Ford, pendant l’âge d’or de l’automobile. Nous sommes à Détroit, ancienne capitale de l’automobile qui aujourd’hui se meurt. Ville sinistrée du rêve américain, le chômage est élevé, les quartiers insalubres et gangrenés par les gangs.

Amer et pétri de préjugés, Walt observe avec mépris et agressivité son quartier, « son Amérique », aujourd’hui peuplée d'immigrés et de « vendus ». Lorsqu’une famille Hmong (Peuple du Sud de l’Asie) emménage à côté de chez lui, Walt éructe, gardant de se prévenir de toute tentative de sympathie de leur part. Un jour, sous la pression d'un gang, Thao un adolescent timide tente de lui voler sa précieuse Ford Gran torino... .

Celui-ci échoue et s’enfuit, victime de représailles par le gang, le jeune garçon ne doit son salut qu’à l’intervention musclée de Walt, parce que la bagarre a empiété sur sa pelouse ! En ayant fait face à cette bande, Walt devient malgré lui le héros du quartier et de toute la communauté Hmong. Sue, la sœur aînée de Thao, insiste pour que ce dernier se rachète en travaillant pour Walt. Surmontant ses réticences, ce dernier confie au garçon des "travaux d'intérêt général" au profit du voisinage. C'est le début d'une amitié inattendue, qui changera le cours de leur vie. Et c’est aussi la naissance d’une famille improbable (« ces putains d’étrangers me comprennent mieux que ma propre famille » dixit Walt). Cependant la pression du gang et l’insécurité de la rue pèse de plus en plus sur Thao et Sue et Walt tentera de les protéger à sa manière.

Du haut de ses 79 ans, Clint nous livre dans cette plongée cinématographique de voisinage, son regard sur l’Amérique et la cohabitation entre les peuples. le racisme et les à priori sont abordés de manière frontale et en même temps tordus avec humour. Le monde a changé, l’Amérique a changé, à ce titre, Walt Kowalski est le dernier indien dans la ville. Un blanc parmi les immigrés (cf. la scène de sa visite chez le médecin de quartier). C’est un rétrograde rattrapé par son époque, mais les sourires effritant le marbre, Walt fera de cette nouvelle famille, la sienne, de ce nouveau monde, son combat, son idéal à défendre.

Mais la paix se défend t-elle au prix des armes et du sang ? Face à la violence, qu'elle réponse apporter ? Comment garder sa parcelle de pelouse en sécurité ? Bien des questions qui pourraient donner suite à un débat cinglant. Mais Clint préfère laisser ce questionnement moral et politique en suspend, au profit de l'humanité de ses héros.

N’allez pas taxer Gran torino, pour ce qu’il n’est pas : un vigilente movie, un film réac. Gran Torino est tout le contraire, une œuvre touchante et humaniste. Bien plus émouvant qu’il est pour Clint Eastwood un film testament.

Confessions d'un artiste

Avec Gran Torino, Clint nous plonge au cœur d'une Amérique pleine de contrastes, il dresse le portrait d'un homme entier, avec ses contractions idéalistes et politiques. Qui est Walt ? Un réac attendri ? un justicier au vieux fusil… ? Très habile, l’acteur réalisateur balaye toutes ces étiquettes, parce que Walt Kowalski est à la fois un ersatz de tout cela et en même temps son contraire. Il est simplement un homme sur qui tous ont collé l’image d’un héros. De ce statut « de héros » Clint en a pleinement conscience et Gran Torino est l’occasion d’une mise au point avec son public. Confession humaine et artistique, Clint embrasse tous les rôles de sa vie, évoquant à la fois sa personne (son âge, son inéluctable mortalité) que son personnage stéréotypé à outrance.

Gran Torino est une réflexion sur la solitude, un constat lucide sur le mythe du héros et de la vieillesse. Un homme prisonnier de sa violence ne peut trouver l'absolution que dans la mort.

Clint nous offre ainsi son intimité, ainsi que ses valeurs (Walt choisira Thao pour fils spirituel). Dans sa représentation de la vieillesse, Clint ne s'épargne pas, on le voit ainsi en jogging, malade, courbatus, etc. Son entourage veut le placer en maison de retraite, mais il n'est pas du genre à laisser les autres prendre des décisions à sa place.

Gran Torino est chant funèbre, une dernière danse et une célébration de la vie. L'icône se meurt, mais a besoin de passer le relais. Gran Torino est peut-être ainsi son dernier film, mais il reste avant tout une réflexion sur la mort et le lègue aux générations futures. Clint écrit sa légende de son vivant.

Respectant son intégrité et son message expiatoire jusque dans les dernières minutes, Clint apportera son alternative à la violence et à la violence de son (ses) personnages, avec un final qui avorte toutes velléités catharsiques. Il manipulera ainsi le schéma du "film vigilante", le prenant à contre pied.
Par cet acte ultime Clint a sauvé notre âme, en même temps que l’avenir de Thao.

Avec Gran Torino, Clint nous prouve encore avec talent que l’âge et le temps n’entament en rien la volonté d’un homme et sa capacité de changer.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

The Warlords

2009-03-10T13:35:00.001-07:00

Les Seigneurs de la Guerre
Tou Ming Zhuang
Chine 2005
De Peter Chan Ho-Sun
Avec Andy Lau, Jet Li, Takeshi Kaneshiro, Xu Jing Li
Durée : 2h07

Honneur et déclin

Le tribut de la guerre pour les affamés. Et l’obstination meurtrière d’un général déchu…

Fin 19ème siècle, la Dynastie des Qing est à l’agonie et la Chine se consume sur les cendres de ses guerres intestines.
Le peuple s’enfonce dans la misère. Le riz a prit le goût de la boue et de ses terres retournées par d’incessantes batailles.
Dans ce charnier de détresse et de violence, trois âmes fières, au caractère trempé et aux idéaux érodés, se rencontrent et se jurent fidélités, pour la renaissance d’un Empire en déclin.
Mais avec le temps et les manœuvres politiques dont ils feront l’objet, ses trois héros, verront leurs motivations et leurs tourments intérieurs bafouer leur pacte de sang.
Témoins hébétés de la furie du soldat Pang Qing-Yun (Jet Li) en proie à la fatalité son appétit. Il ne reste plus pour Zhao Er-Hu (Andy Lau) et Jiang Wu-Yang (Takeshi Kaneshiro), dont le temps est compté, qu’à accompagner dans une fuite guerrière et suicidaire, leur camarade que l’ambition a détruit.

Un titre… une morale

« Tou Ming Zhuang », est le titre original de cette histoire d’hommes au cœur de l’Empire Mandchou, un titre autrement plus significatif car issu d’une expression populaire signifiant : « prouver son engagement ». Depuis : « Tou ming zhuang » est synonyme de rite d'intégration dans le langage des sociétés secrètes (autrement dit : un acte qui forge le respect...). Il ne sera donc pas surprenant de voir nos trois héros agir avec excès tout au long de leur périple. Ainsi dans leur première bataille, Jiang l’intrépide et fidèle bras droit de Er-Hu, ira dans une charge téméraire allez chercher la tête d’un chef de guerre. Pang pour prouver son indéfectible engagement exécutera froidement un prisonnier : « n’oublie pas mon visage, tu te vengeras dans ta prochaine vie ! »

Voici donc la cruauté de cette vie, le vrai visage de la guerre, que même de vaines croyances « karmiques » ne parviendront à adoucir.

Par cette rencontre qui n’aurait jamais du avoir lieu et ce serment prêté un peu trop rapidement, ils seront frappés du sceau de la fatalité. Car celui qui trahi sa parole est voué à la mort de son âme, ce qui signifie en ce bas monde une mort bien réelle. Ces dilemmes moraux, Ces ambivalences poétiques et cette démesure typiquement chinoise, rappellent à notre souvenir ému, les paroles de Pang : « A cette époque mourir était facile, c’était vivre qui était difficile »

La valeur d’un homme se mesure par ses actes et à sa parole, pas à ses émotions. Les émotions sont comme le feu qui embrase la poudre. Certes le film joue la carte du premier degré, mais c’est cette naïveté touchante, qui fait battre notre cœur un peu plus fort et redonne du sens au mot « épique ».

Froid comme la mort…

Dès les premières minutes, le film Peter Chan donne le ton, il n’y a que peu de différences entre les morts et les vivants. Nous découvrons le chaos et la barbarie des restes d’un champ de bataille silencieux et jonchés de cadavres, sous lesquels Pang général défait qui a feint la mort, émerge tel un fantôme, un spectre brisé sur le point vaciller.

Dans son errance honteuse, Pang blessé sera recueilli par une jeune femme (Xu Jing Li) qui n'est autre que la compagne du chef d'un groupe de brigands, le charismatique Zhao Er-Hu. Mais l’amour n’obtient que peu de place dans la folie des hommes. Bien qu’amoureuse de Pang, Xu Jing Li a choisi Er-Hu pour des besoins alimentaires, mais aussi parce qu’il est un homme bon, honorable et sincère… . Au grand damne de notre général meurtri.

Très éloigné des canons esthétiques d’un Zhang Zimou (Hero, La Cité Interdite), Les Seigneurs de la Guerre se veut la peinture sordide d’un pays ravagé. Les paysages, les costumes… tout est sombre, usé par la faim et le malheur. Les hommes sont des spectres vivants, affamés et tourmentés. Le gris du deuil domine les foules et les décors, comme si les couleurs de la vie avaient définitivement quitté ce monde.
Tout ceci n’est pas sans nous rappeler la barbarie de The Blade, œuvre culte et chaotique de Tsui Hark. Mais le côté onirique s’est envolé, laissant place à une réalité bien plus crasse, une tragédie chinoise où la fatalité pèse sur les hommes de tout son poids, comme ces nuages sombres chargés de pluie, omniprésents pendant la quasi totalité du film.

Dans ces stratégies guerrière impitoyables, ne peuvent survivre les âmes tourmentées… . Ainsi ses guerres fratricides plongèrent l’Empire du Milieu dans le déclin. Pang, Er-Hu et Jiang incarnent malgré eux l’allégorie de cette déchéance, les derniers vestiges d’une chine héroïque.

Tragédie fraternelle, souffle guerrier, et duplicité politique…

« Comme bandits, nous devons être les plus grands.» Zhao Er-Hu

Chaque victoires éloignent un peu ces trois frères plus, Pang se rapproche de la cour et des cruelles antichambres du pouvoir, tandis que Er-Hu s’éloigne dans la disgrâce d’un monde dans lequel il ne se reconnaît plus. Le fossé se creuse et Jiang se voit partagé entre ses deux amis que la fourberie politique, des proches de l’Impératrice, a conduit à leur perte. Voici le temps des sacrifices, sur l’autel de l’ambition, voici le temps de l’amertume.

Apothéose allégorique de cette désillusion, la prise de la tant convoité Nanjing est célébrée sous la pluie et le froid, une pluie de regrets. Que reste-t-il de ces trois amis tiraillés de l’intérieur, de leur honneur, face à tant d’intrigues, tant de conflits d’intérêts. Ils le savent, celui qui trahit sa parole est voué à mourir.

A ce titre, la séquence de l’Opéra Chinois interprétée par les saltimbanques lors du repas de Er-Hu, est d’une éloquente révélation, une mise en abyme ironique de la profonde souffrance de ses héros. Les chants des poètes, récits « mensongés », viennent mettre à nue la tragédie nichée au fond de leurs cœurs. Er-Hu est un homme entier rongé par le chagrin et qui déjà se meurt. Pang (Jet Li est vraiment d’une noirceur abyssale) conscient de se trahir, n’est plus qu’un fantôme résigné à son sort et à son ambition.

Que les fans de wu xia pian se rassurent, l’âpreté des combats et l’habilité des guerriers, combleront allègement leurs attentes. Mais bien plus encore c’est tout le romanesque chinois qui se voit revisité avec une crudité à la fois épique et lucide. The Warlords est une œuvre à cheval entre tradition et modernisme.

The Warlords est donc le récit des Derniers Hommes, ceux d’une Chine grandiose et fière. Mais le pays, comme ses héros, ne survivra pas à la transition de cette nouvelle époque. Sous une pluie de regrets, le film parachève son serment impossible. La lame d’un poignard ensanglanté se dresse vers les cieux, comme pour invoquer ces Dieux qui les ont tous abandonnés. Abandonnés une Chine dépassée par ses ambitions, gangrenée par sa corruption… Voici ce qu’elle fut et voici ce qu’elle sera : un jouet politique et l’enjeu de forces extérieures (Japon, Europe, Etats-Unis) qui la pilleront impunément pendant plus d’un demi siècle.

En ayant assassiné ses derniers héros la Chine décadente avait ouvert ses portes aux étrangers.
Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Time

2008-12-12T10:35:00.001-08:00

TIME
Corée du Sud 2006

De Kim Ki Duk

Avec Hyeon-a Seong,

Jung-woo Ha, Ji-yeon Park

Après deux ans de vie commune See-hee s’inquiète quant à l’usure du temps sur son couple. Passionnément amoureuse, jalouse et sensible, See-hee, ne supporte plus que son compagnon Ji-woo porte un regard sur d’autres femmes. Craignant la lassitude de celui-ci, elle décide après des mois de disputes et de larmes, de rompre subitement laissant Ji-woo seul et désemparé. Navré de n’avoir que le même physique à lui offrir, See-hee entreprend à l’insu de tous, une opération de chirurgie esthétique visant à changer radicalement son apparence. Pendant cinq mois elle vivra avec un masque sur le visage, se faisant passer pour une autre et tentant de séduire Ji-woo. Au sixième mois See-hee, retirera son masque et viendra le temps des révélations.

Toujours avec cette même délectation violente et sophistiquée, Kim Ki Duk aime nous perdre et nous tromper, comme il trompe ses personnages. Time est donc une nouvelle théorie dérangeante, une nouvelle manipulation cinématographique de ce réalisateur iconoclaste et impitoyable.

Quête de l’amour éternel, entre lassitude et excitation de l’autre. L’amour a-t-il une date de péremption ?

Un thème brûlant et un terrain d’expérimentation idéal, pour un réalisateur au caractère si particulier, qui saura une fois de plus nous marquer à vie et mettre à nue notre âme en même temps que celle de ses personnages à qui il n’épargnera aucune douleur.

Ainsi raviver la flamme de l’amour, devient une quête passionnée, conduisant à la folie et à des choix extrêmes, allant de la destruction physique (via la chirurgie esthétique), au jeu cruel du chat et de la souris. Cette aventure humaine, devient au fil du temps : séduisante, malsaine puis effrayante, nous amenant aux portes du fantastique dans un final féroce et irrémédiable..

Aussi parce que chez Kim Ki Duk, comme dans la vie, rien ne se passe jamais comme prévu, nous sommes toujours cueillis au détour de sa réalisation méticuleuse. Une réalisation qui retranscrit à merveille les tréfonds de l’âme humaine et l’imprévisibilité de la vie.

Sa morale : ceux qui ont trop « romantisés » l’amour, finissent toujours par se détruire.

Son paradoxe : l’esthétique et la thématique de Time nous plonge dangereusement dans ce spleen romantique.

Kim nous a une fois de plus touché en plein cœur.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Nightmare Detective

2008-12-08T15:30:00.001-08:00

Nigthmare Detective

Japon 2006

De Shinya Tsukamoto

Avec Ryuhei Matsuda, Hitomi,

Shinya Tsukamoto, Masano Bu Ando,

Ren Osugi

Depuis quelques temps, une succession de morts violentes endeuillent la ville de Tokyo. Plusieurs personnes sont retrouvées sauvagement mutilées dans leur appartement. Tout porte à croire qu’il s’agit de suicide, mais le carnage est tel que de sérieux doutes commencent à peser. Doutes d’autant plus renforcés que les victimes semblent toutes s’être suicidées dans leur sommeil après avoir téléphoné à un mystérieux « 0 ».

Pour sa première confrontation avec le terrain la jeune détective Keiko Kirishima (Hitomi) se retrouve sur une enquête qui flirte avec le paranormal. L’assassin agit en rêve et semble n’exister qu’à travers un numéro de téléphone, le numéro zéro. Dans son enquête, elle fait appel au mystérieux Kyoichi Kagenuma (Ryuhei Matsuda), un “Nightmare Detective”qui possède la faculté de s’immiscer dans les rêves d’autrui. Mais la coopération avec le jeune homme ne va pas être des plus aisée, car celui-ci déteste son don. Emportant avec lui les cauchemars de ses hôtes et le fardeau de leurs pensées, Kyoichi a perdu le goût de la vie et l’espoir envers le genre humain.

A travers son histoire extraordinaire et son anti-héros attachant, Shinya Tsukamoto, nous parle avant tout de suicide et du mal de vivre profond de ses concitoyens. En bien des thèmes il rejoint donc les sinistroses cinématographiques que sont Suicide Club et Noriko’s dinner Table de Sono Sion.

En mettant en scène de manière assez traumatisante la métaphysique des rêves, Shinya Tsukamoto, n’a de cesse d’évoquer que l’idée de mort est enfouie au fond de nous. Tapis dans notre inconscient, dans l’ombre des songes, prête à surgir dans un moment de détresse, même inopportun et nous saisir dans son maelström de violence. Ce n’est pas un hasard que ce soit donc le réalisateur lui même qui tienne le rôle de 0, mystérieux et insaisissable tueur onirique.

Shinya Tsukamoto ponctue son film de messages abstraits, parfois difficiles à décoder. L’histoire est des plus captivante, mais la mise en scène si particulière du réalisateur (montage stroboscopique, alternance caméra secouée et plans fixes), peut parfois faire décrocher le spectateur lambda. (1)

Et pourtant le concept de Nightmare Detective a de quoi en fasciner plus d’un. Et c’est avec une certaine impatience indulgente que nous attendons une éventuelle séquelle, afin d’en savoir plus sur ce héros triste et sombre, afin de pénétrer l’univers de ce Nightmare detective qui nous a laissé sur notre faim.

(1) C’est pourtant sa réalisation la plus « abordable », puisqu’il s’agit là de son premier effort « commercial » après des œuvres auteurisantes, tels que Testuo, Bullet Ballet ou Tokyo Fist..

PREVIEW !!!

NIGHTMARE DETECTIVE 2 est enfin terminé ! Les fans attendaient une suite prometteuse et d'après les échos des rares chanceux qui ont pu le voir, ce deuxième opus s'avère être une magistrale réussite. Pas de date annoncée pour la sortie sur les écrans ou en DVD, reste à nous armer de patience avant d'explorer la psychée des rêves du prochain Shinya Tsukamoto.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Noriko's Dinner Table [2006]

2008-12-02T13:14:00.001-08:00

Suicide Club 0
Noriko’s Dinner Table ou le voyage de Noriko
Japon 2006

De Sono Sion
Avec Tsugumi, Kazue Fikiishi,
Ken Mitsuishi, Yuriko Yoshitaka

Suite / préquelle du désormais culte Suicide Club, le voyage de Noriko (alias Suicide Club Zéro) narre la genèse de ce mal-être générationnel exploité avec grand guignol et mystère dans le premier film de Sono Sion. Bien que Le voyage de Noriko diffère d’un point de vue narratif et visuel de son prédécesseur, il n’en reste pas moins une œuvre toute aussi géniale et déstabilisante.

Bienvenu dans son intimité, Noriko, 17 ans, habite une petite ville rurale du Japon, bien loin des tumultes et de l’énergie de la Capitale. S’ennuyant ferme dans une cellule familiale qui ne semble pas la comprendre, la jeune fille se réfugie sur des forums où elle peut ainsi briser sa solitude. Ces amitiés épistolaires et virtuelles et notamment sa correspondance avec une internaute nommée Ueno54, la pousseront à fuguer de chez elle pour Tokyo.

Quelques mois plus tard, Yuka, sa jeune sœur, prendra le même chemin, avec l’espoir de comprendre. Les deux filles vont alors intégrer un étrange cercle censé répondre à leur mal existentiel. Cercle qui n’en est en vérité qu’un réseau dirigé par Kumiko, alias Ueno54, qui tire son pseudo du fait qu’elle fut trouvée quelques jours après sa naissance dans la consigne automatique 54 de la gare d’Ueno à Tokyo. Orpheline, Kumiko s’est lancée dans une étrange entreprise de famille à louer et entraîne dans sa spirale Noriko et Yuka. Pendant ce temps, leur père, ivre de chagrin, après que sa femme se soit suicidée, écume les rues de la capitale à la recherche de ce qui reste de sa famille. Prêt à tout pour retrouver ses enfants, il se soumettra malgré lui à cette mascarade afin de reconquérir l’amour de ses filles.

NORIKO’S DINNER TABLE, nous rappelle combien la vie est précieuse, mais combien il est dur d’être heureux. A ce titre, Suicide Club 0 pourrait être le parfait « anti- manuel » du bien-être. Un « death note » naïvement parcouru par une jeune fille trop rêveuse, solitaire et timide, incapable de concevoir le bonheur auprès des siens.

Stigmatisation de la solitude

Dans une société hermétique à toute forme d’individualisme. Le Japon de Sono Sion, témoigne du mal être profond de ses insulaires, bernés par le mirage des grandes villes, où Internet devient l’unique refuge des âmes esseulées. Là encore un phénomène très répandu dans l’archipel, les marginaux qui « vivent » leur vie sociale à travers les innombrables cyber-cafés.
Le phénomène de ‘’Famille à Louer’’ mis en exergue dans le film de Sion, en devient presque terrifiant, témoignant de cette schizophrénie japonaise où le factice paraît plus vrai que le réel.
Sous la caméra du Maître, les émotions d’une famille « contrefaite » paraissent alors plus réelles que celles du père de Noriko qui lui a toujours retenu les siennes (tradition japonaise oblige).

Autre scène emblématique : lors de son arrivée à la capitale, Noriko arrache le fil décousu de sa manche de manteau, qu’elle assimile à un cordon ombilical, un acte symbolique afin de couper tout lien avec son passé et sa famille. Avec Noriko qui ne distingue plus la réalité de la fiction et Kumiko qui l’entraîne dans le sillage de sa folie, Suicide Club 0 bascule dans le surréalisme le plus fou, où la vie est mise en scène, où le factice devient réel, où la vraie vie devient la mort.

Le Japon selon Sion

Voici la pesanteur et l’isolement d’une société qui elle-même se met en scène. Une société née avec un bébé trouvé dans une consigne, cette histoire d’enfant abandonné qui trouvera sa place via la création de ce club de famille à louer. Kumiko représente aussi l’élément fantastique du film au sein de cette absurde réalité. Il semblerait qu’elle soit le véritable monstre du film (si ce n’est un autre…).

En fait nous passons notre vie à jouer un rôle. Tous les personnages ont perdu la notion de leur identité profonde, leur mode de vie devient même l’instrument d’une mise en scène ritualisé, figée, avec l’apparence de la sécurité pour mieux cacher un malaise profond. Ce sentiment de solitude en société.

Suicide Club 0 aborde également une autre aspérité de la société nippone, celle du suicide familiale. Un euphémisme culturel et tabou, pour dénoncer de manière honorable ces pères dépressifs qui assassinent leur famille et se suicident ensuite !

« Je suis né pour respirer »

Pour reprendre les paroles de l’héroïne, mais naître s’est aussi être condamné à mourir. Dans ce pays où elle a vu le jour, Noriko s’étouffe, terrorisé par le monde, mais curieusement excitée par l’inconnu.

Récit sous forme de journal intime, Suicide Club 0, est avant tout la chronique d’une jeunesse perdu entre devoir et rébellion. Abandonnée dans un système, où il est difficile pour des êtres fragiles et rêveurs d’y faire leur place. Bien qu’il ne nous offre pas les clefs pour mieux cerner son premier Suicide Club, Sono Sion nous éclaire néanmoins sur les maux d’une société trop pudique et fermée. Tellement figée que l’on se créé, pour mieux la supporter, des familles idéales afin de se donner un peu de bonheur. Une famille factice pour un bonheur bien réel. En voila un paradoxe !

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SHAMO trailer

2008-10-09T02:31:00.001-07:00

Coq de combat (Shamo)
Hong Kong / Japon 2008

De Soi Pou Cheang
Avec Shawn Yue, Francis Ng,
Annie Liu, Bruce Leung, Pei Pei,
Dylan Kuo, Masato, Ishibashi Ryo

Au cours d'un déjeuner familial, Ryô Narushima (Shawn Yue) poignarde sauvagement ses parents, sous les yeux de sa sœur Natsumi. Le garçon, tout juste âgé de 16 ans, est condamné à 2 ans de prison dans un institut pour jeunes délinquants, où il devient le souffre douleur de ses co-détenus (viols, passages à tabac…) ainsi que du directeur (Ishibashi Ryo). Au bord de la rupture psychologique, il trouve cependant de l'espoir en la personne d'un maître de karaté atypique (Francis Ng) qui va lui enseigner les arts martiaux et lui redonner confiance en lui. Libéré, mais en proie à un chaos intérieur terrible, Ryô devient gigolo.Il passe sa vie à se battre et à rechercher sa sœur qui se prostitue, tout en caressant l’espoir de monter sur le ring du Letal Fight pour affronter le tenant du titre Sugawara Naoto (Masato, authentique combattant du K1 Max) et ainsi se venger de toutes les humiliations subies.

Adaptée du célèbre manga éponyme créé en 1998 par Izo Hashimoto, cette série fait l’objet d’un véritable culte à travers le monde, considérée comme ce qui se fait de mieux en matière de manga. Mélangeant arts martiaux, introspection psychologique et satire socio-politique, Coq de combat alias Shamo, est par ailleurs réputé pour ne pas faire dans la demi mesure, tant sur le fond, que sur la forme (la violence et le sexe tiennent une place importante dans le récit). C’est presque instinctivement que le réalisateur enragé Soi Cheang prend en main ce projet d’adaptation.
Pourtant le metteur en scène de Dog bite dog, livrera ici une version somme toute assez édulcorée du manga, ne souhaitant pas se répandre dans la surenchère d’une violence graphique, qui pourrait reléguer le film en catégorie III (interdit au moins de 18 ans) lors de sa distribution.

Néanmoins le Coq de combat de Soi Cheang reste malgré tout une œuvre atypique, brutale et éprouvante, qui en surprendra plus d’un.

Un cheminement nihiliste auréolé de violence pour seul espoir.

Coq de combat et Ryô reflètent bien la réalité de ce monde, qui a prit l’amoralité pour modèle. Car Soi Cheang à travers sa mise en scène, compte bien dénoncer la média-manipulation du Bien et du Mal, dont les acteurs (parents, autorités, professeurs, médias…) en bafouent déjà les frontières déjà floues.

De nos jours, même les arts martiaux sont pervertis, que ce soit par l’argent et les excès en tout genre d’une société insatiable (voir les dérivés sanglants du free fight). De nos jours, l’absence d’honneur (rage, tricherie, stéroïdes), prévaut tant qu’il s’agit de victoire.

Ryô, comme tant d’autres, est bien un enfant de ce monde, un monde impitoyable et violent, dénué d’espoirs, où les rêves sont salis. Un monde qui n’a plus de famille, de valeurs.
L’assassinat de ses parents en fait malgré lui le parfait étendard de tout ce que l’on rejette.

Antithèse de la noblesse des arts martiaux, corrompu par la société actuelle (son mentor l’encourage même à s’injecter des stéroïdes afin de parvenir à ses fins) Ryô en parfait anti-héros sème le chaos autour de lui. Qui a le malheur de l’aimer, finira détruit.

Les limites et le génie

On regrette certes que Soi Cheang n’ait pas plus étoffé l’aspect dramatique et psychologique de l’intrigue, en réduisant la durée du film, aux astreintes commerciales des 90 minutes. Il y a pourtant matière à approfondir des abysses aussi noires. S’attarder sur l’entourage sombre du héros, le mystérieux professeur de karaté (Francis Ng méconnaissable), la sœur de Ryô, la call girl amoureuse… . Toute une galerie dont la richesse psychologique est à peine ébauché (et avec beaucoup de génie d’où notre frustration !) faute de temps et de budget. Malgré tout, Shamo dans la veine de Dog Bite Dog, reste une satire sociale plutôt cinglante. Même adressée à un plus large public, le film n’a rien perdu de sa hargne.

Shamo ressemble à un clip décadent aux séquences parfois antinomiques. On bascule ainsi entre flashs-back oniriques, combats martiaux filmés en plan larges ou rapprochés, ou combats de rue montés de façon épileptique, exposant ainsi l’anarchie de la situation.

Œuvre léchée, plutôt qu'œuvre commerciale, comme se plairont à dire les détracteurs. Chaque plan se dissocie de l’autre, respectant la logique mentale du héros. Ainsi, Soi Cheang va saisir des instants à l’esthétique parfaite, enclin d’une sincère poésie (le reflet de la lune dans la flaque, tranchée par le fil du sabre de Francis Ng), ou bien capter l’abjecte de la putasserie médiatique (les retransmissions télé du Letal Fight). Bref, rien n’est laissé au hasard dans la vision très personnelle du réalisateur par rapport au Manga éponyme.

Tout comme pour Dog Bite Dog, Soi Cheang cherche à filmer la structure du chaos et du désespoir, avec une fausse nonchalance (ellipses volontaires) qui en déconcertera plus d’un, mais qui pourtant mérite amplement une seconde vision.

Aller jusqu’au bout…

Afin de comprendre la démarche du héros, son cheminement torturé, il faudra aller au bout du métrage et interpréter les messages implicites du réalisateur, notamment dans les successions de flash-back révélateurs.

Probable humanisation de Ryô ? Ou est-ce nous, spectateur, qui venons d’ouvrir les yeux sur son humanité ? Latente depuis toujours ( soit pour nous : le début du film), mais que les à priori et son comportement asocial nous avait masqué.

En réalité Coq de combat s’adresse surtout à ceux que le mépris des autres a rendu fou, et qui finissent par se croire désespérément inhumains.

Alors ne laisser pas Ryô sombrer dans sa solitude et son désespoir.
Coq de combat soulèvera certainement la polémique parmi les fans, mais il s’agit d’une adaptation volontairement infidèle à sa source. Selon ses propos, Soi Cheang souhaitait avant tout explorer l’aspect satire sociale et ainsi gommer l’aspect serial propre au manga, cela pour se recentrer sur un drame, celui de Ryô.

Soi Cheang nous apporte à sa façon une réponse à cette question qui nous obsède tout au long du film : l’explication symbolique du meurtre de ses parents. Je vous laisserai tout comme le réalisateur, par le biais d’une fin ouverte, le soin d’en trouver le sens et l’interprétation.

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Crying Fist

2008-07-09T12:36:00.001-07:00

Crying Fist

2005 Corée du Sud

De Ryu Seung-Wan

Avec Choi Min-sik,

Ryu Seung-beom,

Im Won-hee, Chun Ho-jin

Tae-shik (Choi Min-sik) et Sang-Hwan (Ryu Seung-beom) sont 2 hommes qui ne se connaissent pas et qu’à priori tout oppose. L’un est ancien champion de boxe olympique, maintenant âgé et alcoolique, l’autre est un petit voyou asocial et à priori irrécupérable. Mais tout les deux ont en commun l’échec. Incapables de prendre le dessus, ils briseront leur foyer respectif, mais trouveront la rédemption à travers la boxe.

Certes Crying Fist est un film sur la boxe et le cinéma ne compte plus la pléiade d’œuvres abordant le même sujet. Mais le schéma narratif de ce long métrage reste totalement atypique. Ryu Seung-Wan prend tout d’abord le parti de scinder son film en deux histoires parallèles. Ainsi tout au long du récit chacun des protagonistes, ne soupçonnera l’existence de l’autre. Ils finiront par se croiser uniquement lors de l’affrontement final, se découvrant alors similaires et adversaires. Car avant d’être un film sur la boxe, Cyring Fist est un film sur la famille, le récit d’une quête, faite de rêve et de rédemption pour retrouver l’amour de soi et l’amour des siens.

On se retrouve a aimer avec autant d’intensité les deux héros, avec l’envie que tous les deux gagnent. Mais en boxe, comme dans la vie, il y a toujours un gagnant et un perdant. Cependant, là n’est pas le plus important, le film porte très haut son message positif, car avant tout, ces deux là se battaient pour retrouver leur fierté et pour la fierté de ceux qui les aiment. C’est cela leur plus grande victoire.

Ryu Seung-Wan signe là un film sincère et sophistiqué. La caméra se ballade autour des boxeurs avec une aisance insolente. Le montage est parfait, l’interprétation d’une redoutable justesse. Et c’est sans prendre parti, que nous suivons l’évolution physique et morale des deux héros, avant leur terrible et belle rencontre.

Il est indéniable que l’autodidacte acteur/réalisateur coréen possède de grandes qualités d’auteur. Sa mise en scène nous plonge au cœur des combats avec une telle intensité, que la mise en danger des protagonistes en paraît presque réelle. De plus le jeu des acteurs, entièrement habités par leur rôle et physiquement éprouvés par une chorégraphie brutale et réaliste, révèle toute l’intensité du parcours pugiliste et rédempteur de la thématique du film.

Un film éprouvant, émouvant, mais jamais triste. Justement plein de fureur et d’espoir, qui nous démontre que larmes, sang, et sueur ont en commun la saveur de l’émotion. On comprend dès lors pourquoi le film a reçu une ovation du public lors du marché du cinéma de Cannes en 2005.

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Le Wu Xia Pian selon Tsui Hark (Seven Swords & The Blade)

2008-07-09T11:58:00.001-07:00

Seven Sword
2006 Chine / Hong Kong
De Tsui Hark
Avec Donnie Yen, Leon Lai,
Charlie Young, Liu Chia-Liang,
Dai Liwu, Kim So-yeon,Sun Honglei,
Xin Xin Xiong ...

« Notre esprit est une épée ». De cette pensée typiquement asiatique, Tsui Hark en tire une fresque épique dans la grande veine des romans chevaleresques. Une aventure martiale et philosophique au cœur de légendes chinoises intemporelles

Trouver l’épée qui correspond à mon esprit

A la fois barbare et sublime, théâtrale et merveilleux, Seven Swords est une relecture fantasy des romans de chevalerie de la littérature chinoise. Etrange et presque parfait, Seven Sword est à la fois le double et l’antithèse du chaotique The Blade du même auteur, cette œuvre viscérale, poétique et anarchiste (jusque dans sa réalisation).
Tandis que l’un s’approprie et transcende les codes du genre wu xia pian, l’autre les déconstruit avec fureur.

The Blade l’œuvre barbare

1995 Hong Kong
De Tsui Hark
Avec Xin Xin Xiong,
Moses Chan, Chiu Man Cheuk,
Valerie Chow, Collin Chou,
Michael Tse

C’est sans doute l’œuvre la plus personnelle et créative de l’auteur. En optant pour une mise en scène volontairement chaotique, Tsui Hark obtint ce qu’il souhaitait : des acteurs moralement et physiquement éprouvés, pour un jeu des plus authentiques jamais vu à l’écran. Et pour cause les combats et les risques afférents aux cascades étaient eux bien réels. De plus personne ne s’avait comment serait cadrée l’action, ce qui contraignait tout le monde à jouer, même hors champs !

Entre poésie et cruauté, le récit narré sous le regard candide d’une jeune femme amoureuse, démontre toute la violence des appétits humains (vengeance, vol, luxure, meurtre). Mal accueilli par un public peut préparer à l’époque, The Blade jouit aujourd’hui du statut d’œuvre culte et définitivement intemporelle.

Seven Swords l'ode de la magnificence

Si hier, The Blade marquait la barbarie, Seven Swords évoque aujourd’hui la magnificence et une certaine plénitude dans la mise en scène d’un auteur débordant d’énergie. Avec une virtuosité sans pareille Tsui Hark nous embarque dans une fantastique aventure guerrière où tous les personnages (saluons les performances d’acteurs) sont à la démesure du récit.

Une question demeure, l’effort mythologique déployé par Tsui Hark pour nous présenter ces armes et leurs guerriers, ne cacherait-il pas une velléité à étendre cette fresque sur d’autres aventures. Nos yeux et nos sens encore émerveillés souhaiteraient que oui !

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Jiburo (The Way Home)

2008-07-09T07:35:00.001-07:00

JIBURO (le chemin de la maison)
2002 Corée du Sud
De Lee Jung-Hyang
Avec Yoo Seung-Ho, Kim Eul-Boon

Voici l’histoire d’un amour, sans paroles et grands discours. Un récit qui rééduque nos sentiments, comme on apprend à aimer avec les gestes du cœur.

Jiburo est un pont entre deux générations (la grand mère et le petit fils) et entre deux mondes (la campagne et ses joies simples / la ville et son égoïsme matérialiste) qui n’avaient plus rien à partager, si ce n’est les liens invisibles d’un amour inconditionnel d’une grand mère pour son petit fils. Un amour désintéressé, comme il n’en existera plus jamais dans cette société.

La tendre opposition des deux univers (l’enfant et la grand-mère) nous fait sourire et nous rappelle combien les choses simples peuvent être la source de grand bonheur. Conquit, on finit même par refuser le générique de fin. Comme Sang Woo pour qui les vacances sont finies et qui va devoir quitter sa grand-mère, on aimerait tellement prolonger cette expérience si réconfortante.

Jiburo est une belle histoire, celle dont on garde un souvenir ému. Le souvenir de cette rencontre unique avec une grand mère (Kim Eul-Boon sans doute la plus célèbre et la plus vieille actrice de Corée du Sud à ce jour) qui n’avait encore jamais croisée une caméra et le monde du cinéma. Ce qui rend à l’écran cette authenticité pure dont le jeu nous a comblés et dont la réalisatrice Lee Jung-Hyang s’en émerveille encore aujourd’hui.

Au fil des jours qui suivirent la projection, je m’étais aperçu que ce film si simple, si humble et si beau, avait planté dans mon cœur une graine d’amour qui depuis ne cesse de grandir.

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Durian Durian

2008-07-09T06:58:00.001-07:00

DURIAN DURIAN

2000 HONG KONG

Liulian piao piao

榴槤飄飄

De Fruit Chan
Avec Qin Hai-Lu, Mak Wai -Fan,
Biao Xiao-Ming, Yung Wai-Yiu

Le portrait intimiste de deux jeunes chinoises perdues dans la clandestinité des quartiers populaires de Hong Kong. L’une est une enfant (Fun) qui aide sa mère à faire la plonge au noir sur le trottoir de son quartier. L’autre est une jeune femme de 21 ans (Qin Yan) qui espère faire fortune en se prostituant afin de retourner en Chine monter son affaire.

L’apprentissage de la petite Fun et de la jeune Qin Yan dans cette fresque clandestine nous donne l’occasion de découvrir une autre facette de Hong Kong, cette cité où tout va si vite, où l’argent est roi. Voici l’envers du décor selon Fruit Chan, un microcosme clandestin et pluriethnique transcrit avec pudeur et tendresse, dans ses joies, sa tristesse et sa solitude.

Et le titre me direz-vous ? Eh bien le Durian est tout simplement un fruit très apprécié au Sud de l’Asie. Ce fruit à l’allure étrange (une énorme boule de piques), à la fois rebutant (le fruit sent très fort) et attirant (son goût est délicieusement sucré), est le fil conducteur, au sens propre et figuré, de toute la narration du cinéaste.

Comme le parfum d’un Durian, la vie peut paraître mauvaise, dure et nauséabonde, mais pour celui qui prend soin d’y goûter, elle peut avoir une saveur délicieuse et sucrée.

Fruit de la métaphore, le Durian de Fruit Chan est un lien subtil dans le chassé croisé des destinés des deux héroïnes. Il est l’objet de la rencontre et de la séparation. Fruit Chan est un auteur qui aime prendre son temps, mais notre patience de spectateur est vite récompensée par une plongé intime dans un quotidien ordinaire. Un voyage riche d’émotions et d’enseignements qui devient par la magie du cinéma : extraordinaire.

Dommage cependant que la petite Fun (Mak Wai-Fan dont la fraîcheur fait plaisir à voir) ne soit pas aussi présente à l’écran que sa comparse Qin Yan (Qin hai-Lu).

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Mr. Socrates

2008-02-04T06:37:00.001-08:00

Mr Socrates

2007 Corée du sud

De Choi Jin-won

Avec Kim Rae-won, Kang Sin-il,

Lee Jong-hyeok et Yun Tae-voung

Koo Dong-huyk est un petit voyou, violent et asocial, il prend un malin plaisir à se faire détester de tous. A priori irrécupérable, il est kidnappé par une bande de mafieux et retenu prisonnier dans une école abandonnée. Dans quel but ? Etudier ! D’abord récalcitrant, Koo Dong-huyk, va devenir le sujet d’une méthode d’enseignement peu orthodoxe qui le pousse à réussir au péril de sa vie. A la sortie passer l’examen de policier, dans le but de couvrir les activités criminelles de ceux qui l’ont formé. Mais de la philosophie de cet enseignement douloureux, Koo Dong-huyk, en a surtout retiré le libre arbitre !

Une énergie décomplexée

Il fallait s’y attendre Park Chan Woo a relancé le polar social coréen énervé, pas mal de réalisateurs ont depuis suivi, avec plus ou moins d’inspiration et de succès. Ce qui est le cas de De Choi Jin-won pour Mr Socrates, dont le titre résume à lui seul le pitch et l’ironie du film.

Que ce soit à travers le titre du film et tout au long du processus d’apprentissage du héros, l’auteur pose en effet les bases d’une remise en question fondamentale de l’éducation de son pays. Ou comment la société dans sa quête de pouvoir et de réussite nous incite à la violence (de nous jours les gangsters occupent une place trop importante dans la pyramide sociale).

L’éducation passe t’elle par le cassage de l’individu ? L’éducation pour qu’elle morale, si le moteur de celle-ci reste la violence ? Enseigner pour apprivoiser une bête asociale ou utiliser la violence de celle-ci à des fins sociales ? Qui est Socrates pour ces enseignants si singuliers ? Tout ceci ne serait donc qu’au service d’une ironie cinglante.

De l’ironie à la morale

Quand on sait que Socrate est considéré comme le père de la philosophie occidentale et qu’il est l'un des inventeurs de la notion de Morale, on s’aperçoit que ce polar décomplexé a peut être une vocation moins divertissante qu’il n’y paraît.

La quête de rédemption, la puissance du libre arbitre et de la réflexion.

Face à son professeur, l’élève devient miroir et le miroir incite à la réflexion, à faire des choix fondamentaux, comme faire face aux conséquences de ses crimes (Koo Dong-huyk invite son Maître à l’enterrement d’une de leur victime).

Violence et constat social

C’est assez intéressant d’observer la fascination de certains metteurs en scène pour la violence et la jeunesse de leur pays. Au regard de certains films en Asie, se dégage un douloureux constat.

De prime abord la « cool attitude tendance » semble cautionner ces actes délictueux, mais en vérité cette façade n’est que le vernis sur des fêlures profondes, traduisant une réelle volonté de changement pour les acteurs de cette jeunesse, en quête de bons modèles.

Si certains films peuvent paraître être une apologie de la violence (Made in Hong Kong, Diamond Hill, Die Bad, Running Wild, Pornostar ou Mr Socrates…), ils posent pourtant une question essentielle au public auquel ils s’adressent.

A titre d'exemple Die Bad de Ryoo Seung-Wan, pourtant réalisé en 2000, est un des films emblématiques de cette dégénérescence sociale, au discours furieusement international. Sous son caractère underground, Die Bad incarne à lui seul le caractère irréversible d'une violence qui gangrène la jeunesse de tous les pays. Obsession pour la brutalité, surexposition des Triades... C'est un constat douleureux et sanglant qui ne semble pas à avoir de réponse, si ce n'est au fond de notre âme et de notre morale.

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Dragon Squad

2008-02-04T06:20:00.001-08:00

Dragon Squad

2005 Hong Kong

De Daniel Lee

AvecVaness Wu, Shaw Yu Man Lok,
Xia Xu, Mickael Bienh, Tony Ho Wah Chiu
et Sammo Hung

Afin d’assurer le transfert d’un petit mafieux local, les autorités de Hong Kong font appel à une équipe composée de jeunes policiers issus de différents horizons. Cette unité d’élite rassemblant différents spécialistes venus de toute l’Asie, se fait appeler la Dragon Squad. Mais lors du transfert rien ne se passe comme prévu et le convoi est attaqué par un groupe de mercenaires particulièrement efficace. Commence dès lors une lutte sans merci sans l’accord de leur hiérarchie entre la Dragon Squad et ces mercenaires qui semblent animer par d’autres motivations que l’argent. Un flic (Sammo Hung) sur le retour ayant un compte personnel à régler avec l’un des mercenaires, va également leur apporter son aide.

« Les images ne mentent pas »…

Cet aphorisme évoqué par une des jeunes recrues (Shaw Yu Man lok)… est d’autant plus important, que ces images en question (à savoir les plans du réalisateur Daniel Lee) peuvent servir ou desservir les héros du film.

« Les images ne mentent pas »…Tant celles-ci traduisent en effet l’attachement du réalisateur pour ses bad guys (l’équipe de mercenaires) pourvus d’une véritable épaisseur émotionnelle qui fait parfois défaut à la jeune team (parfois reléguée au second plan de l’intrigue, voir de la caméra). L’empathie du spectateur s’en ressent aussitôt et tandis que l’on vibre à chaque confrontation, chaque fusillade, on ne peut s’empêcher de frémir pour ces méchants attachants.

Daniel Lee masquant volontairement à travers son scénario et sa mise en scène la frontière entre le Bien et le Mal. Le fait que l’un des héros filme leur aventure, ne fait que cautionner l’intention du réalisateur à mettre en scène une histoire aux codes de moralité ambigus, la caméra du jeune flic mettant plus en valeur le charisme et l’expérience de leurs adversaires que la DragonSquad.

Daniel Lee aurait-il choisi son camp ?

Dans cette lutte entre les 2 factions, celui de la jeunesse contre celui de l’expérience (Mickael Bienh et Tony Ho Wah Chiu excellents), l’héroïsme prévaut avant tout. Et en terme de démesure, Hong Kong oblige, Dragon Squad assure le spectacle, fusillades extrêmes, guérilla urbaines sanglantes et apocalyptiques, de quoi noyer sous les douilles et les gerbes de sang les clichés d’usage sans doute exigé par la production.

En effet en roublard de la mise en scène Daniel Lee ne cédera pas à ses créanciers et ce jusque dans un final meurtrier, à la fois riche et vain en émotions (cela dépend quel camp on choisi…) d’une jeunesse sacrifiée sur l’autel sanglant du succès.

S’il vous plaît ne tenez pas trop rigueur à Monsieur Lee pour ses acteurs poseurs (mode canto pop oblige) et zappés la dernière scène du film (imposée par les studios) qui vient casser le caractère noir et désabusé d’un réalisateur rebel.

Ce texte provient de whispering-asia, la copie intégrale est illicite!

Ab-Normal Beauty

2008-02-04T04:25:00.001-08:00

Ab Normal Beauty
2004 Hong Kong / Thaïlande

De Oxide Pang
Avec Race Wong, Rosanne Wong,
et Anson Leung

Sous l’effet d’une vacuité intellectuelle nocive qui a trop souvent tendance à se répandre telle une pandémie d’intolérance, certains se plaisent à dénigrer le cinéma des frères Pang. c’est fou la capacité acerbe de certains critiques qui de leur plume peuvent encenser ou enflammer un auteur selon la tendance !
Ces attaques admonestées aux frangins sont d’autant plus injustes, que se sont les mêmes qui jadis criaient au génie formel, qui maintenant les fustigent.

Après tout, les frères Pang sont ce qu’ils sont : de grands faiseurs d’images ! A défaut de narrateurs solides me direz vous ? Cela reste à prouver... car chez les Pang, le scénario est avant tout un script, un support tout au service de l’image, pour une mise en scène allégorique et évocatrice d’un cinéma qui se vit avec ses sens…

Jiney (Race Wong) est étudiante en arts plastiques, passionnée de photo. Accompagnée de son amie (amoureuse exclusive et platonique) Jasmine (Rosanne Wong), elle parcours la ville et ses habitants, à la recherche du cliché parfait.

Au détour d’une promenade photographique, les deux amies assistent à la mort atroce d’une jeune fille renversée par une voiture, Jiney ne peut alors s’empêcher de prendre en photo la défunte. Elle découvre alors ce qui manquait à ses photos : la mort.

Jasmine impuissante assiste à la transformation de Jiney chez qui naît un besoin morbide de capturer la mort dans son objectif. Son obsession l’amène au bord de la schizophrénie et Jiney finira par obtenir ce qu’elle attendait, passer de l’autre côté du miroir. La jeune fille en détresse autant fascinée par sa mort que celle des autres se voit bientôt approchée par un curieux fan (la mort ?). Jiney comprendra que cette quête du passage à l’acte, est motivée par le souvenir d’un viol et que sa mère n’a jamais reconnu lorsqu’elle était enfant. Mais il est peut-être déjà trop tard.

Ab-Normalement Beau !

Avec une subtilité narrative rare et des images proches de peintures photographiques, voici bien l’un des plus marquant et des plus beau film d’horreur de cette décennie. Introspection morbide, catharsis d’un viol, traumatisme d’une enfant ligotée par le silence et l’incompréhension d’une société aveugle. Un film riche en thèmes et en images marquantes, bien loin de tous les poncifs propre au cinéma asiatique de genre.

Le film exerce une fascination insolite, dérivée des horreurs mises en scène. En vérité, Ab-Normal Beauty est une incroyable mise en abîme de l’artiste et de la mort pour les spectateurs voyeurs que nous sommes.

Ab-Normal Beauty est un film d’une grande beauté, malgré un final qui s’essouffle faute à un twist légèrement décevant. Les deux actrices principales (Race Wong et Rosanne Wong, toutes deux sœurs dans la vie) sont merveilleuses et plus que convaincantes, habitées par une énergie, une détresse morbide et détentrices d’une ambiguïté sensuelle, pour ne pas dire sexuelle.

Bref du fantastique pure, à,l’aune de la charogne (Thanatos) et de l’Eros.

C’est dire si c’était horrible, c’est dire si c’était beau !

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Bullets over Summer

2008-02-03T10:59:00.001-08:00

Bullet Over Summer
1999 Hong Kong

De Wilson Yip
Avec Francis Ng, Louis Koo,
Lai Yiu Cheung,
Mei Ching Lam et Lan Law

Au vu de ses œuvres précédentes (Mongkok streets, Bullets over summer) et actuelles (Juliet in Love, SPL), Wilson Yip jeune réalisateur de talent et scénariste inspiré par le quotidien de son archipel, apparaît comme une des figures de proue (Soi Cheang à ses côtés) de la nouvelle vague du cinéma de Hong Kong.

HK never dies !

De son statut à fois la hybride et novateur, Bullet Over Summer fait partie de ces films transitoires de la nouvelle vague (au même titre que Love Battlefield ou Diamond Hill de Soi Cheang), s’adressant aussi bien aux nostalgiques des polars HK des années 90 (OCTB, City on Fire, The Killer) qu’aux férus d’un cinéma d’auteur et indépendant allant de Wong Kar Wai à Fruit Chan.

Wilson Yip avec une caméra à la fois vivante et discrète, une direction d’acteurs (par ailleurs excellents) impeccable joue sur tous les registres de l’émotion, allant du rire à la mélancolie, de l’action à la contemplation. Bullet Over Summer sous ses allures de néo-polar est en quelque sorte le cinéma de la vie, la vie faîte de mouvements et de trêves.
On pense dès lors plus à Wong Kar Wai qu’à Ringo Lam lors de certains passages et on pourrait même s’aventurer à prétendre que Bullet Over Summer supplante parfois certains de ses aînés !

Sur la piste de Dragon (Joe Lee), un dangereux gangster, deux flics en civil (Francis Ng et Louis Koo) entament une longue planque dans l’appartement d’une modeste vieille dame. Le temps passe et le trio s’apprivoise peu à peu, formant une famille improbable et attachante. Au gré de rencontre avec divers habitants du quartier, les deux héros commencent à envisager l’avenir autrement, allant jusqu’à laisser de côté l’affaire qui les avait conduit ici. C’est alors que Dragon refait surface.

Cela pourrait presque ressembler à un vaudeville asiatique, dramatique et intimiste. Bullet Over Summer se déguste comme une tranche de vie, une pause dans la monotonie quotidienne de deux flics désabusés. Des destins qui s’effleurent, se croisent ou s’envisagent, dans l’improbable appartement d’une grande mère un peu folle et esseulée.

Le premier, tombe amoureux (Louis Koo) d’une étudiante paumée et fraîche, dont l’insouciante jeunesse fait échos à la sienne et sur la façon dont il mène son travail.

Le second (Francs Ng) envisage de changer de vie, quitte à nier l’immuable (il cache un douloureux secret) et rêve de fonder une famille avec la gérante du pressing d’en face.

Quant à la vieille dame, celle-ci se persuade, dans sa douce folie, que ses deux hommes en planque sont en réalité ses petits fils !

A la fois touchant, drôle, mélancolique et… optimiste !

Bullet Over Summer pourrait être la suite de Chungking Express et des Anges Déchus !

Du grand art de la part d’un jeune metteur en scène qui privilégie avant tout la force de l’instant. L’espace de quelques plans les scènes se fige, sur des bonheurs ou des tensions, comme si ce qui précédait ou précédera n’avait plus d’importance. Ce procédé qui joue avec la temporalité, provoque alors des pics d’émotions, parfois faits de coïncidences, servant ou remettant en question l’action qui va suivre. Un jeu d’images et de montage tout au service de l’intrigue et des propos du réalisateur.

Au début du film, on peut voir Francis Ng en train de courir à perdre haleine. Est-il poursuivi ? Poursuit-il quelqu’un ? Filmé de profil dans ce long travelling, les poteaux à côté du héros défilent pendant sa course effrénée, effet d’optique oblige le décor recule tandis que le personnage avance. Puis grâce au jeu de perspective de la caméra, le même décor se met par moment à défiler dans l’autre sens ! C’est un plan d’ouverture important : Le héros court-il après son passé ou après le futur ? Et en filigrane toute la symbolique de Hong Kong avant la rétrocession.

Car l‘autre force du film réside dans la chronique sociale qui vient alimenter l’intrigue d’un polar riche en émotions. Ainsi nous croisons un échantillon diversifié de la population Hongkongaise, tous statuts confondus, un microcosme social fait d’inégalité et de partage. L’occasion pour le Wilson Yip de prendre le temps de réfléchir sur sa ville, ses habitants et son devenir. Car ne nous y trompons pas, cette obsession de l’instant, traduit bien la volonté du réalisateur de faire un break dans une ville en proie au changement (la rétrocession de Hong Kong à la Chine). Le calme avant le chaos (le retour de Dragon symbolise l’irrémédiable sort de l’archipel anglaise).

Et puis du chaos, vient la raison, le fait que rien n’a vraiment changé et qu’en même temps tout est bouleversé dans la grande roue de la vie de cet Archipel du 7^ème art à ciel ouvert qu’est Hong Kong.
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TRIANGLE (TIE SAAM GOK )

2007-10-04T11:33:00.000-07:00

Preview... pour les fans !

TIE SAAM GOK alias Triangle
Hong Kong (2007)

De Tsui Hark, Ringo Lam, Johnnie To
Avec Louis, Simon Yam, Sun Honglei

Encore une entreprise folle en provenance de Hong Kong la prolifique ! TIE SAAM GOK le rêve des cinéphiles que nous sommes, rassemble trois des plus grands ténors du cinéma de l’archipel Chinoise : Tsui Hark, Ringo Lam et Johnnie To, avec un concept atypique qui va vous faire saliver !

Il ne s’agit nullement de co-réalisation, encore moins d’une série de courts. L’idée est tout autre et laisse le champ libre au génie et à la personnalité des protagonistes de ce triumvirat de luxe. Ainsi chacun des trois réalisateurs, succèderait à l’autre derrière la caméra, reprenant l’histoire là où le précédent l’avait laissé. Une sorte de passage de relais dans la réalisation.

De l’intrigue, on ne sait pas encore grand chose, mais on peut d’ores et déjà parier sur une relecture nerveuse et sombre du polar chinois. Trois amis un peu paumés : Sam, Fai et Mok décident de mettre la main sur un magot, mais l’entreprise va prendre des proportions chaotiques mettant à rude épreuve leur relation. (1)

Un scénario unique, pour une réalisation en trois dimensions, laissant à travers le prisme de chacun, l’occasion de rebondir, sur le travail de l’autre, avec indépendance et cohérence.

A priori Tsui Hark commencerait les hostilités en plongeant le film dans un chaos cinématographique dont il a le secret, Ringo Lam à la folie des images, creuserait celle des personnages. Et Johnnie To dont la rigueur légendaire et la maîtrise des scénarios inextricables par l’image, viendrait conclure le tout dans une fusillade nocturne d’anthologie.

Un projet pour le moins risqué techniquement, mais terriblement excitant !

Du caviar pour nos yeux impatients prévus pour fin 2007.

(1) Dernières minutes :

Après une première projection à Cannes, qui laissa les critiques plutôt divisés. Voici le résumé plus détaillé d’une intrigue, qui à priori ne brillerait pas par son originalité. Mais le plaisir se trouve ailleurs, à travers le travail de nos trois metteurs en scène, qui semblent s’êtres particulièrement amusés sur ce projet. Un peu trop peut-être ?

Techniquement audacieux et bien foutu, mais parfois maladroite quant à son statut métissé (comédie, polar, action ?), l'histoire suit les mésaventures de Sam, Fai et Mok, prêts à tout pour faire fortune. Ceux-ci, sur les conseils d’un vieillard mystérieux, braquent le conseil législatif de Hong Kong et mettent la main sur un trésor inestimable. Une tunique ancienne, entièrement faite de pièces d'or !

Verdict ? Une réussite totale qui tire vers le génie !

Ah là là, ces journalistes à la critique facile ! Et sans fondement pour certains !
Sans trop en révéler sur l'intrigue, Triangle est un polar qui flirte avec l'onirisme et le drame, une oeuvre incroyablement cohérente pour un exercice inédit. Une exposition prenante à la fois intense et légère pour Mr Hark, une intropection proche de la folie sous le traitement de Ringo Lam, quant à Johnnie To, il rassemble tous ses protagonistes dans une dérision proche de l'absurde, les plongeant dans un labyrinthe (au sens propre : le champ) et métaphorique. Une allégorie cernée par les balles de la cupidité.

Triangle réunit tous les ingrédients d 'une oeuvre qui n'a rien de formelle. Une leçon sur la cupidité et l'amitié. Un fond riche, une explosion de la dramaturgie. Un film majeur entre humour, drame et suspens, baignant dans une atmoshère métaphysique légère comme un songe.
Le songe de trois amis à Hong Kong.
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Silk

2007-09-30T11:45:00.000-07:00

Silk
Taïwan (2006)

De Chao Bin Su
Avec Chang Chen,
Yosuke Eguchi,
Karena Lamd

Depuis le succès mondial de Ring au box office, les histoires de fantômes asiatiques, pullulent au cinéma. Effet de mode oblige, tout le monde veut surfer sur la vague. C’est bien là le problème, le genre, accaparé par l’industrie du marketing s’est rapidement essoufflé, faute d’inspiration, de redite et de sur-médiatisation.

Ce sujet pourtant extrêmement fertile en légendes, a vu son potentiel émotionnel et morbide décliner au fil des années. Sa sève créatrice, usée et dépouillée de sa richesse… .

Pourtant les fantômes asiatiques ont encore beaucoup de chose à nous dire et à nous montrer, faut-il encore quelqu’un qui sache les faire parler !

C’est dans cet esprit créatif que Chao Bin Su s’est attelé à renouveler le genre, respectant ses codes et transcendants les poncifs. Un exercice de style maîtrisé pour une histoire profonde et sensible qui verse enfin dans l’inédit.

Silk est un film au statut un peu hybride, une sorte de polar surnaturel, mais qui mélange les styles avec une étonnante subtilité. Le postulat d’aborder des questions métaphysiques, sous le prisme de la science, du polar et de la psychologie, traduit à la fois la fascination et le mal être profond de notre société. Une société cynique et désabusée dans son rapport avec la mort.

Comment devient on un fantôme ? Pourquoi le devient-on ? De ces interrogations se décline une intrigue qui va casser à travers son enquête surnaturelle, les clichés les plus communs. Ce n’est pas toujours la haine, qui fait de nous un fantômes, mais l’amour qui retient près de nous les êtres que l’on aime. Plus qu’un ghost movie, Silk, est avant tout un film sur le deuil. Une histoire de vivants et de défunts, qui ne voient pas, ne se comprennent pas.

Mal à la vie et mal à la mort !

En effet la frontière entre le monde des vivants et celui des morts tout aussi dépressif, est aussi ténue qu’un fil de soie. Porté par l’interprétation border line et dépressive de Chang Chen (Tung). Le film semble constamment habité par la solitude et le chagrin.

Hashimoto ( Yosuke Eguchi ) est un scientifique renégat qui opère à des recherches clandestines sur les énergies dans un appartement abandonnée de Tapei. Acharné à capturer l’énergie des défunts (l’anti-gravité), il utilise pour cela une éponge de Menger, sorte de solide fractal décrit par le mathématicien Autrichien Karl Menger en 1926, qui possède la propriété particulière d’avoir une surface infinie, tout en contenant un volume nul.… (comprenne qui pourra !). Ce qui lui permet de piéger le fantôme d’un enfant.

En règle générale le monde des morts et celui des vivants étant hermétiques, peuvent coexister, mais pas se rencontrer. Sous peine de tragédies mortelles pour qui croiserait le regard d’un disparu. Le scientifique Japonais met au point un procédé afin de pouvoir observer l’enfant, dans une chambre hermétique. Afin de l’aider à percer le mystère du garçon, il fait appel à Tung, membre d’une unité d’élite de la police, pour qu’il enquête sur les circonstances de sa mort. A l’aide de ses dons exceptionnels, il est capable de lire sur les lèvres (et donc de comprendre ce que dit l’enfant) et possède une double vue. Tung découvre qu’un fil de soie semblerait relier l’enfant à ses victimes, ainsi qu’à un autre fantôme.

Avec ses images soignées et non exempts de scènes chocs réellement efficaces, Silk est un film d’horreur atypique, glacial, dépressif et terriblement profond, où l’importance du regard semble un enjeu de taille pour le réalisateur.

Silk est une histoire de liens : amour/haine, mère / fils, où tout passe par le regard. Interaction avec la réalité, à travers le fil de soie, qui symbolise le lien entre les morts et les vivants. Interaction des sentiments tels que l’amour ou la colère . En celà Silk est d’avantage un film de cœur qu’un film de peur . Les fantômes de Chao Bin Su ne sont pas des monstres, mais des êtres comme nous, fait de solitude, d’amour et de détresse.

ATTENTION SPOILER

Au final Tung réalisera (car affecté par la perte de sa mère) le véritable enjeu de cette aventure, et que ce fil est avant tout le symbole d’une relation de dépendance entre une mère et son fils.

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Spirits Oan Hôn : un film de fantômes au Vietnam.

2007-09-30T02:57:00.000-07:00

Spirits (Oan Hôn)
Vietnam (2004)

De Victor Vu
Avec Catherine Ai,
Tuan Cuong, Katheleen Luong

Les Vietnamiens craignent les morts qui n’ont pas reçu de culte. Cela s’en ressent jusque dans leur cinéma, plutôt avare en production sur le genre. Malgré un vivier de superstitions et de croyances extraordinairement fertile, la production cinématographique locale privilégie la peinture sociale ou le mélodrame, au film d’épouvante.

C’est un paradoxe assez intéressant quant on compare le Vietnam (mettant de côté les capacités financières), aux autres productions asiatiques beaucoup plus prolifiques et expansives sur le genre. Il suffit de se tourner vers le Japon, Hong Kong, la Corée du Sud ou encore la Thaïlande pour remarquer la différence. Il est par ailleurs assez amusant de constater que malgré l’extrême modernité des pays suscités, ceux-ci soient restés singulièrement attachés aux traditions d’antan, apportant avec elles, leurs lots de croyances et de superstitions.

C’est peut-être pour cela qu’un personnage comme Victor Vu, réalisateur Vietnamien / Américain, s’est senti en mesure de mettre en scène un tel sujet. Tourné en 2003 aux Etats-Unis et au Vietnam, le film Oan Hôn (Spirits), raconte l’histoire d’un écrivain (Loc), confronté au fantôme d’une jeune femme (Hoa), au sein d’une maison qu’il croyait abandonnée. Mais la demeure abrite en son sein de bien sordides histoires et ne semble pas avoir livré tous ses secrets. Ce que les résidents successifs apprendront à leur dépend.

Une voix off bienvenue éclaire la narration d’une certaine poésie et le réalisateur a opté pour une mise en scène en 4 actes. Le récit est alors abordé selon différents points de vue. Mais l’histoire ainsi que l’ambiance, peine à s’installer. Peut-être est-ce du à un Victor Vu trop timoré quant à l’usage de sa caméra et le parti pris pour un thème ultra conventionnel. Résultante maladroite : un film d’horreur vain, qui à défaut de nous faire peur, ne réussi pas même à nous émouvoir.

Quant on connaît la surexploitation des films de fantômes asiatiques, difficile de raconter une histoire originale dans ce domaine. Seuls certains partis pris de réalisation et de scénarios, arrivent à sauver ces films des poncifs éculés (cf. Silk).Hélas, la mise en scène soporifique de Vu ne parvient jamais à transcender notre intérêt pour ce film qui aurait certainement puiser plus de force dans un court .

Malheureusement les bonnes intentions ne suffisent pas et l’accroche marketing trompeuse et douteuse de ce DVD en font un achat plus que dispensable.

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Once upon a time in HighSchool

2007-08-02T15:06:00.000-07:00

Once upon a time in HighSchool
(2004)
De Yoo-Ha
Avec Gweon Sang-woo,
Lee Jeong-jin, Han Ga-in

Toujours sur ce thème préoccupant des rixes étudiantes, Once upon a time in HighSchool de Yoo Ha tire une salve particulièrement violente ayant pour toile de fond le régime dictatorial de 1978 après l’assassinat de Park Chung Hee.

Le titre plutôt accrocheur du film peut-être trompeur, car Once upon a time in HighSchool, s’écarte volontiers du film de baston classique, mêlant romance, politique et action.

Corée du sud 1978, le pays fragilisé par la guerre fratricide avec son voisin du Nord et ses luttes politiques intestines, est sous le coup de la loi martiale. Hyun-soo (Gweon Sang-woo : Vocano High) jeune étudiant coréen est transféré au lycée de Jungmoon, nouveau venu, plutôt timide et romantique, il comprend vite que seule la loi du plus fort règne dans cet établissement sous embrigadement militaire. Contraint de baisser les yeux par peur de violentes représailles de la part de ses camarades et de l’autorité, Hyun-soo va se lier d’amitié avec le charismatique Woo-sik, un des durs du lycée. Leur passion commune pour Bruce Lee (décédé depuis peu) et leur amour pour la belle Eun-ju, va les pousser à la révolte envers le système tout en s’opposant violemment aux caïds de l’école.

Une parabole virulente de l’Histoire

D’avantage un film de Société, qu’un hommage au cinéma d’arts martiaux. Once upon a time in HighSchool, est le témoignage d’une époque trouble, celle de 1978 et des nombreuses dictatures militaires qui régissaient un état affaiblit par la guerre et le nationalisme.

Pourquoi un film de combat, plutôt qu’un drame ? Et pourquoi Bruce Lee ?

Cinq ans venaient de s’écouler après la mort du Petit Dragon et la Corée du Sud commençait seulement à découvrir ses films. Il faut souligner l’impact énorme que la Star a suscité (et suscite encore) auprès des asiatiques (tout particulièrement des jeunes). C’était le premier héros asiatique a explosé aux yeux du monde entier, Bruce Lee représentait à la fois la force et une fierté insolente. Il est une icône, un insoumis, qui a marqué le monde à jamais. Bruce Lee demeure un symbole et un exemple pour de nombreux asiatiques. Symbole d’autant plus mis en exergue sous les yeux et les désirs des 2 héros. Car n’oublions pas qu’en cette période de dictature militaire, les lycées étaient plus apparentés à des camps d’embrigadement, qu’à des instituts démocratiques. Et ce système autoritaire extrême formatait des élèves particulièrement aigris et violents.

L’indiscipline devient alors : résistance politique ; et l’autorité : matrice de la violence.

Sa volonté de jouer sur plusieurs registres, ne casse jamais le rythme du film. Once upon a time in HighSchool, réussit le pari difficile de nous scotcher avec des scènes d’actions réalistes et brutales, et de nous laisser songeur quant aux allusions politiques et sociales dénoncées par le réalisateur. Un discours toujours d’actualité sur une Société moderne à la fois civilisée et barbare. Une diatribe virulente sur le système éducatif coréen et l’embrigadement nationaliste. Le film est à l’image de ses héros, extrêmement passionné et touchant. Une force rare d’autant plus appréciable pour ce genre de métrage.

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Dossier la vie est combat : Art of figthing

2007-08-02T14:46:00.000-07:00

Art of figthing
(2006)
De Shin Han-sol
Avec Baek Yun-shik,
Choi Yeo-jin, Kim Eung-su,
Lee Hyun-kyoon

Ne vous y trompez pas, Art of figthing, est tout sauf un film d’arts martiaux. Mais cette œuvre rare et atypique vaut vraiment le détour, car Shin Han-sol casse et détourne ici les nombreux archétypes propres au film de combat (la notion d’apprentissage, la relation Maître/élève…). Nous sommes ici dans une représentation brutale et réaliste de la violence, bien loin des fantasmes martiaux.

Pour Byeong-tae la vie est un enfer quotidien, fils de flic, l’adolescent taciturne et introverti, est le souffre douleur des voyous de son école. Tabassé et humilié chaque jour, le jeune homme n’est plus qu’une ombre déprimée, invisible aux yeux de tous, même des siens. Meurtri dans sa chair et son orgueil, Byeong-tae, cherche désespérément une issue à son martyr, sans avoir toutefois réellement le courage de prendre quelques initiatives solitaires. Du moins jusqu’à ce qu’il rencontre Oh (Baek Yun-shik) un inquiétant et mystérieux personnage qui sous ses airs placide cache un féroce et redoutable combattant. Attristé par le sort de l’adolescent, Oh le prend sous son aile et décide de lui inculquer quelques notions d’autodéfense. La première leçon étant avant toute chose de faire de lui un homme sans peur. Byeong-tae passera-t-il d’une violence subie, à une violence prescrite ? Aura-il la force de casser le mur de ses inhibitions, en sachant que tout acte à un prix ?

De par sa volonté de n’appartenir à aucuns genres, Art of figthing, surfe brillamment sur plusieurs registres (comme le font si bien les films coréens), comédie, drame, action… Ici les combats n’ont rien de martiaux (les chorégraphies sont extrêmement sobres et efficaces) et le film n’est pas dénué d’une certaine morale.

Art of figthing, est une réflexion sur la violence et ses conséquences, loin des canons esthétiques connus. Shin Han-sol se penche ainsi sur la fragilité de l’adolescence, l’absence de repères familiaux (Oh est un refuge paternel idéal pour Byeong-tae) et surtout sur la cruauté d’une société impitoyable envers les plus faibles, les plus démunis.

Art of figthing met aussi en avant un fait de société particulièrement inquiétant en Asie, les rixes extrêmement brutales entre les écoliers.

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THE ROAD HOME

2007-08-02T14:31:00.000-07:00

THE ROAD HOME
(1999)
De Zhang Zimou
Avec Zhang Ziyi,
Sun Honglei,
Zheng Hao

Pour ceux dont l’entourage croit encore que le cinéma asiatique ne se réduit qu’à une succession de films de kung fu, de chambara, d’œuvres auteurisantes inaccessibles ou de comédies grasses et débiles... Voici une œuvre simple et touchante, de l’esthète Zhang Zimou (Hero, épouse et concubines), qui saura mettre un terme à tous ces à priori médisants. Il serait d’ailleurs tant que la critique admette le statut du cinéma asiatique, en reconnaissant qu’à bien des égards il est encore précurseur en matières d’œuvres et de concepts originaux.

Mais revenons au film.

Apprenant le décès de son père, Luo Yusheng revient dans son village natal situé au Nord de la Chine pour assister sa mère à la préparation des funérailles. Celle-ci insiste pour que son père soit enterré selon la coutume, ils porteront avec les villageois le cercueil jusqu’au cimetière où il sera enterré. Yusheng, bardé de ces certitudes de citadins comprendra-t-il l’importance et le sens de ses vielles traditions ? Afin de réaliser l’importance de leur souhait et de savoir qui ils étaient, l'histoire de ces parents est alors racontée.

The Road Home, est la chronique douce et nostalgique d’une Chine rurale et de ces coutumes ancestrales, amenée à disparaître sous le développement tentaculaire des grandes villes. Dans son oeuvre Zhang Zimou prône tacitement (la Chine est toujours une dictature ne l’oublions pas) le retour à des valeurs plus saines et plus simples. Dénonce une Chine contemporaine partagée entre une modernité cynique et des racines solides. Le récit de la vie de ses parents, donnera au héros le cheminement nécessaire pour rejoindre le cœur de sa mère et exaucer les dernières volontés de son père. Une Chine qui oublie ses racines est un pays sans âme. The Road Home est une œuvre à 2 visages, une ode à la modernité (l’amour des 2 héros qui fait fi des traditions de mariage arrangés) et à la mémoire (le respect des ancêtres et des traditions).

C’est aussi l’occasion de découvrir une Zhang Ziyi, plus jeune et resplendissante, dans un de ces plus beaux rôles. The Road Home est un film humble et touchant, proche du spectateur, la réalisation sobre et très belle de Zhang Zimou, nous fait partager avec pudeur et beauté l’intimité d’un deuil et la beauté de leur histoire.

Le présent (le deuil du père) est en noir et blanc, tandis que le passé (en couleur) est riche de la chaleur des souvenirs. Ici la rudesse de l’hiver de cette Province perdue, en adéquation avec la pauvreté extrême des campagnes, n’entame en rien la beauté des images et du récit, nous démontrant qu’une vie simple et modeste si dure soit-elle peut-être la plus heureuse qui soit.

The Road Home est un film très émouvant qu’il faut prendre le temps de comprendre et d’aimer.

Le film est disponible chez Asia-diffusion en zone 2, vous pourrez même profiter d’un fort beau doublage en français effectué par d’excellents comédiens chinois, ce qui donne encore plus de beauté au métrage.

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